Crítica y Entrevista
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Sobre los discos Evidencias y Dueto
J. L. Salinas, Cuadernos de Jazz Núm. 63, Madrid, marzo-abril del 2001
Miranda/Zapata: Dueto
Marcos Miranda (c1), Fernando Zapata (b, tp), Roque Guzmán (sb), Huitzilín Sánchez (tecl, perc), Rodrigo Vera (voc), Roxana Betancourt (didjeridoo).
México, abril y mayo de 1997 y mayo de 1998. Jazzcat 009
Marcos Miranda/Huitzilín Sánchez: Evidencias
Marcos Miranda (cl, ss, st, fl, kalimba, gonqs), Huitzilín Sánchez (tecl, kalimba, toys)
México, diciembre de 1998. Jazzcat 014.
Desde México nos llegan dos discos de contenido iconoclasta, alejado de cualquier pretensión de continuismo. El primer trabajo prolonga la amistad entre Charlie Mingus y Eric Dolphy, reconvertidos aquí en el tándem Miranda/Zapata, El abrazo sin compromisos entre los protagonistas les permite avanzar un paso más en el camino del free jazz. Aquí lo que cuenta es expandir la frontera interior; un lugar cambiante que puede manifestarse de forma sosegada (La Trasmutación) o tumultuosa (Jinns), onomatopéyica (La postración del elefante) o claramente narrativa (Litile Boy).
El segundo álbum, que comparte con el anterior protagonista principal, se inscribe en otro contexto, Propone revisar, desde nuevas perspectivas, el legado autoral de Thelonious Monk. Los resultados son sin duda satisfactorios. Miranda y Sánchez demuestran haber asimilado la esencia de la obra monkiana, lo que les permite trasladarla con imaginación y credibilidad a contextos muy diferentes de los originales.
Para ello recurren, como un argumento más, a una instrumentación cambiante, que además utilizan acertadamente. Así, piezas como Bemsha Swing o Introspection están teñidas de un misticismo que es reforzado por una flauta oriental o el uso de campanas. Desde la corta versión de Epistrophy que inicia el disco (y que suena a banderín de enganche) hasta los matices experimentales de Hackensack, que lo concluye, predominan las lecturas envolventes, conduzcan a la telajación (como en el primer tramo de Littie Tootie Rootie) o al desasosiego (Reflections). En síntesis, un trabajo arriesgado, con momentos de serena belleza junto a otros de inquietud perturbadora, que ha sabido captar el espíritu de Monk.
J. L. Salinas
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About Sama
David Lewis, Cadence, Nº 11, November 1999
Mexico's Sama create their own distinctive brew of improvised music on their seff-titled that draws upon a broad range of traditional world idioms that range from Mexico (Peregrinación Ancestral") and Cuba ("Abakwa") to Turkey (Ilahi) and Japan ("Salmo"). Their musical tributes show comparable range as these include Elvin Jones ('Elvin") and Olivier Messiaen ("O.M.") while pieces like "Oración de Rabe'a" acknowledge the influence of artists like Albert Ayler and Abdullah lbrahim as well as the traditional music: of Tépoztlán. Fortunately Miranda and Fortson show the rapport, sensitivity and inventive technique necessary to create convincing music: out of such an unlikely blend of influences. Their use of salterios in "Salmo" gets this project off to an atmospheric start. The first of three trio performances is the spoken word piece "Oración de Rabe'a" with a monologue by Amina Teslima. It builds gradually to climax with Fortson's kicking drums and Miranda's driving tenor sax. "Elvin" shows a comparable dynamic build as Miranda erupts into double tempo soprano lines. During Pereginación Ancestral the duo really digs in and Miranda's serpentine soprano might easily be mistaken for the master Steve Lacy. Equally impressive is Mirandas combination of bass clarinet and ney flute in the duo's brilliant interpretation of "IIahi," while the funky "Abakwa" shows this Mexican band's enthusiastic scope. This project is the first improvised music that I have heard out of Mexico and yes, I am impressed. Recommended.
David Lewis
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About Evidencias and Dueto
Frank Rubolino, Cadence, Nº 11, November 2000
1) MARCOS MIRANDA - FERNANDO ZAPATA, DUETO, JAZZCAT 9.
El Desayuno del Pterodáctilo / Fase 7/Mingusmania/Little Boy Visita Hiroshima /Acteal /Malevich / La Transmutación de un Cara de Niño a un Colibri / Zarpando de la República Bananera / Jinns / Bluesorca / La Postración del Elefante / What Love. 65:51.
Miranda, b cl, cl, kalimba; Zapata, b, tpt; Rodrigo Vera, narration -4; Huitzilín Sánchez, teclado, perc -7; Roxana Betancourt, didi -7; Roque Guzmán, bari s -12. 4/97, 5/97, 5/98, México City, México.
2) MARCOS MIRANDA - HUITZILíN SÁNCHEZ, EVIDENCIAS, JAZZCAT14.
Epistrophy / Friday the 13th / Little Rootie Tootie / Played Twice Bemsha Swing / Well You needn't / Blue Monk / Introspection / Reflections / Ugly Beauty / Evidence / Coming on the Hudson / Ruby My Dear / Hackensack. 62.51.
Marcos Miranda, b cl, cl, ss; ts, filt, kalimba, toys, guaje, gongs;
Huitzilín Sánchez, kybd, kalimba, toys, radio, handsaw. 12J98, México City, México.
Miranda and Zapata get into very intriguing duet selections on (1) where the piercing sound of the bass clarinet is juxtaposed with the bass to provide contrasting yet stimulating sound patterns. Miranda extends the improvising potential introduced on his instrument by Eric Dolphy, delving extensively into freely improvised bass clarinet passages with a wanderer's abandon. He generates guttural squalls and high-pitched squeaks while opening up each song to its fullest creative potential, Zapata has a somewhat contrasting approach. While he is very much at home with fully liberated playing. he often provides stability with defined bass patterns that hold the selections together. Nine of the dozen pieces are duets. Each is a heavy example of improvised originality. Miranda alternates his pitch by playing tree different members of the clarinet family and also toys with the kalimba, the thumb piano of the Zimbabwe Shona people. Zapata contributes distinctive bass patterns with bowed or plucked vibrancy, alternately providing a walking line or a fully unstructured backdrop. He also plays trumpet on one cut. getting as liberated as Miranda while the two bounce spontaneous blasts off each other.
The seleclions with expanded personnel are equally engrossing. "La Transmutación...." is a quartet piece where the two are joined by Sánchez and Betancourt. The addition of the didjeridoo and percussion form the basis for an African ritual dance of rhythm augmented by Miranda's kalimba . Vera narrates in Spanish a poignant saga about the reality of war on "Little Boy Visita Hiroshima," and Guzmán joins the two leaders on the closing 18 minute Mingus classic, "What Love," to add spice with his mellow baritone sax meanderings. These trio and quartet cuts add further to the interest that continues to build as the album unfolds. Miranda and Zapata deservedly get equal billing, yet the intriguing dirge oozing from Miranda's clarinets is the driving passion. This recording is an excellent example of how deeply the concepts of improvised music have penetrated world cultures. lt is a winner.
Miranda again extends the boundaries of the clarinet and other reeds on the all-Monk program on (2). He and Sánchez work their way through 14 Monk compositions on this unique disc subtitled The Multidimensionality of Thelonious Monk, Each is done in a different musical style. The album does not fall in line with typical tribute recordings. Miranda imbues every tune with his own distinctiveness, using the harsh clarinet to cut jagged edges or the saxophones to depict stylistic variations of the often-disguised melody lines. His staccato style of playing with its short, irregular blasts brings a new dimension to the music of Monk. When switching to tenor on "Played Twice," he introduces a faint glimpse of straight-ahead playing, This sleight of and is deceptive, for he immediately moves to the Ney flute to perform a most unusual Andean version of "Bemsha Swing" The bass clarinet dirge on "Introspection" is an extreme rendition of the tune, and he turns "Reflections" into an Ayler-ish dream or near nightmare sequence on tenor.
Sánchez proves to be an interesting partner for Miranda. His primary instrument is the keyboard, from which he evokes a variety of sounds to complement the alternate road Miranda travels. He scurries over the keys adding freshness to the program. Humor comes through with his ragtime version of "Blue Monk," and he introduces numerous toy instruments and gadgets to spur Miranda even further afield. Sánchez is a continually changin chameleon who uses all his sound makers to provide en original backdrop from which Miranda can paint his abstract portrait of Monk. Miranda is a very rewarding musician who brings originality to every setting he joins. Using samples of Monk's voice to invade "Hackensack" was a neat touch. By taking on Monk in this bold way, he shows a talent that is far-reaching and visionary. He is a fresh voice who deserves wider exposure.
Frank Rubolino
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Marcos Miranda: el arte del dueto
Xavier Quirarte, Milenio Diario, junio 2000
Hace algunos años Harold Budd comentaba que había escogido una de las profesiones menos lucrativas: la de compositor de música avant garde. Budd hacía referencia al panorama estadunidense, en el que, aunque reducido, al menos existe un mercado para el tipo de música al que se dedica. Sin embargo, en nuestro país cultivar el jazz avant garde o la improvisación libre prácticamente equivale a ser un desempleado. Los trabajos escasean, las compañías discográficas se muestran indiferentes, los promotores arrugan la nariz ante lo que no conocen y el público, en general, prefiere música más digerible.
En aras de la supervivencia —o de cumplir sus sueños pequeño-burgueses, que todavía se puede usar el término—, muchos jazzistas que tocaban este tipo de música han claudicado. Pero hay otros que se han planteado la música libre como un proyecto de vida y persisten en abrir la mente de los escuchas. A esta estirpe pertenece Marcos Miranda, saxofonista de origen boliviano pero con suficientes años de residir en México para saber que grabar un disco de jazz experimental requiere de un esfuerzo titánico. Su mérito, además de haber realizado cinco discos en un periodo de tres años, es apuntar con ellos en muy diversas direcciones.
En sus grabaciones más recientes, Sama, Evidencias y Dueto, Miranda ha recurrido al formato del dueto para hurgar en los terrenos de una música que escapa a lo convencional. La inspiración para estos proyectos provienen de discos como Interstellar Space, que reunía a John Coltrane con Rashied Ali; Long March, con Archie Shepp y Max Roach; y los diversos duetos de Steve Lacy con músicos como Mal Waldron.
Sama fue grabado con el percusionista Santiago Fortson, Evidencias con el pianista Huitzilín Sánchez y Dueto con el contrabajista Fernando Zapata. Sobre esta formación, Miranda dice en entrevista: "El dueto permite desarrollar tu perspectiva musical porque tienes que construir un discurso únicamente con el apoyo de otra persona. Esa es una de las grandes virtudes, pues tiendes a buscar el equilibrio de una manera más directa".
Ornette Coleman decía que xxxx.
"Sí creo en el concepto amplio de la armonía en la música, la que no sólo puede incluir las reglas acústicas que uno pueda concebir, sino también la relación personal con los músicos. Con Santiago Fortson se trata de una amistad que desde 1991 ha corrido paralela con la música. Sama tiene mucho en común, no sólo respecto a la amistad sino en cuanto a una visión conjunta de mucha compenetración espiritual. En el origen de este dueto siempre estuvo la música oriental y el concepto musical del sama (en el contexto del sufismo). La mística es hacer una música esencialmente devocional en un contexto de free jazz o de jazz contemporáneo, que abarca muchas cosas".
Música de oriente, free jazz, atmósferas africanas conviven en Sama, que en palabras de Fortson es un testimonio de siete años de trabajo. "Me gusta la mezcla de estilos, de que a pesar de que Marcos es boliviano y yo mexicano, el disco no suena latino, tiene mucho más elementos africanos, árabes y del jazz, que finalmente es universal. Más que calificar nuestra música de jazz u otro estilo, pienso que es música del espíritu, algo más profundo que un estilo. Si podemos tocar la fibra del escucha, la música está más allá de cualquier calificativo que le puedas poner. Alguien decía que la música es el reflejo del espíritu, y este disco es un ejemplo muy obvio. Si oyes a Flans, a Mercurio o esas basuras que nuestro país produce con mucho agrado, no creo que sientas mucha relación con Dios o con una energía espiritual. En continentes como Asia o África no puedes desvincular la música de la religión, mientras que en Occidente esta idea se ha desvirtuado".
Monk y Mingus
Entonces entró Thelonious Monk. En 1995, Marcos conoció al pianista Huitzilín Sánchez y juntos empezaron a explorar el universo musical de este creador iconoclasta. Bajo el influjo de su espíritu innovador, lo mismo han hurgado en los ritmos orientales que en el funk, el estilo stride, el free jazz, el ambient o las raíces africanas, sin perder de vista la sabiduría monkiana. El resultado de esta colaboración es Evidencias, en donde es notorio que luego de arduas sesiones de experimentar con las obras del homenajeado han dejado de tocar a Monk para ser tocados por Monk.
"Desde 1995 hemos tocado mucho a Monk —cuenta Marcos—. Dado que fue el cuarto disco grabado, entramos al estudio con mucha más experiencia y las piezas devinieron en una reflexión sobre la música de Monk. Las piezas que grabamos en el estudio ahora las tocamos diferente, es una música que está en evolución. Curiosamente Monk llegó a ese sonido y lo conservó por el resto de sus días; si escuchamos sus discos de principios de los cincuenta y los últimos, advertimos que esencialmente es lo mismo. En cambio nosotros tocamos estas piezas de modo que están cambiando constantemente".
Para Huitzilín experimentar con la música de Monk le permitió trabajar con diferentes tipos de sonido en una serie de piezas que sin perder su ancla en el blues, se mueven en otras direcciones. "La manera en que las trabajamos fue muy libre, lo que nos permitió estudiar a Monk de muy diversas maneras. Esto nos permitió experimentar desde muy diversos puntos de vista. La música que hacemos difiere de la música clásica porque no manejamos una sensación, un sentimiento o un estado de ánimo ya escrito, sino que a medida que nos acercamos a una pieza la vamos cambiando. Esto es resultado de hacer una improvisación más libre".
Y es la improvisación libre la que permea a lo largo de Dueto, grabación que captura la intensidad de un diálogo entre clarinete bajo y contrabajo al que se asoman algunos otros instrumentos. Es un homenaje a dos grandes iconoclastas del jazz: Charles Mingus y Eric Dolphy, que encuentran en Zapata y Miranda no sólo a dos fieles seguidores, sino a un par de músicos que buscan a partir de sus encuentros con los maestros. Esto lleva a Elena Vilchis a escribir en el cuadernillo: "Bendecidos por el ánimo de habitar los márgenes y tras abrevar la conjunción que se dio entre sus dioses particulares (...) Marcos-Zapata presentan una grabación donde esencialmente se albergan la esperanza y el odio, la animalidad y la racionalidad, el bien y el mal, los sueños y sus símbolos, la vida y la muerte, el error y la verdad".
Sobre esta grabación, Miranda afirma: "Hubiera sido más difícil descubrir la esencia de Dueto si no hubiera existido la mancuerna de Dolphy y Mingus. La combinación de contrabajo y clarinete bajo es algo increíble por la acústica de ambos instrumentos. Sumado a eso, para Fernando Zapata, Mingus es un modelo que tiene muy presente o un espíritu con el cual comparte. Lo mismo me sucede a mí con Eric Dolphy y el clarinete bajo, un instrumento poco común".
En Dueto sólo hay una pieza de Mingus, "What Love"; el resto son composiciones de Zapata y Miranda, y una de Huitzilín Sánchez, todas ellas iluminadas por la forma libertaria con la que los homenajeados se acercaban a la música. En el disco se pasea el espíritu desafiante de Mingus y la espiritualidad de Dolphy, pero sobre todo las construcciones que Zapata y Miranda han erigido para otear otros horizontes.
El ciclo de duetos no se ha cerrado para Marcos Miranda. Está por editarse el disco Tarikatao con el saxofonista Remi Álvarez, un desbordante encuentro de música improvisada sin estructuras prefabricadas. "Nuestros encuentros devinieron en una sesión de improvisaciones que tienen más que ver con el free jazz estadunidense que con el de Europa —dice Miranda—. Me refiero a la improvisación desde el punto de vista de la desnudez del corazón. La improvisación no llega hasta que realmente te desnudas y te dejas ver. Entonces llegas a un estado de mayor naturalidad, más propicio para la espontaneidad".
Marcos Miranda conoce el terreno que pisa y está dispuesto a no traicionar los principios que lo han llevado al jazz menos convencional. "Todas las músicas y todas las artes persiguen la realización del alma humana, la que se transforma en sonidos y en palabras, en colores y en formas. En este sentido, el jazz surgió como un anhelo de libertad, aunque no es la única música que habla de eso. Sin embargo, en el jazz este espíritu libertario se vuelve su esencia, lo que se advierte en mayor grado en la improvisación libre. Básicamente el reto es abrir la mente de la gente para que pueda escuchar otras cosas y no tener prejuicio o miedo de comprar un disco de música que no conoce. Por suerte creo que se está dando ese cambio".
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Aisha María
Xavier Quirarte, Pulse, 2000
África sigue siendo la madre, la savia, la sabia. Con la africana kalimba entre manos, Marcos Miranda explora sus raíces y accede a otras culturas en Aisha María (Opción Sónica/Jazzorca Records). Música reflexiva que se enriquece con las colaboraciones de Germán Bringas Silvie Henry, Santiago Fortson, José Navarro y Huitzilín Sánchez, no está en la vena de la world music de supermercado que tanto ha proliferado, sino en la senda de una búsqueda que habrá de alcanzar nuevas alturas.
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SAMA / MARCOS MIRANDA - SANTIAGO FORTSON
Adrian Bernal, Promo Jazz , año 3, Nº 3, México, agosto, 1999
ste es el primer disco de un proyecto formado de cuatro duetos, todos con la participación de Marcos Miranda y que va a publicar la compañía MEISA.
En este disco Marcos Miranda toca el sax soprano y tenor, los clarinetes contralto, hago y alto, este ultimo es poco usado pero es un instrumento, de gran expresión y sonoridad muy ad hoc para la atmósfera musical creada en esta producción. también toca el salterio, el gong y campanas. Santiago Fortson esta en batería, percusión y salterio y, como invitados están Amina Teslima en voz, Jorge González en timbales y Huitzilin Sánchez en teclados. Sama es la palabra compuesta de las letras iniciales de Marcos y Santiago. pero también significa en árabe oído o escuchar (dentro del sufismo es escuchar con el verdadero oído que es el corazón). Marcos dice: el disco es el resultado de 8 años de tocar con Santiago, esta música es de alabanza a la esencia de la cual todos venimos. Yo toco jazz siempre y cuando aceptemos que la palabra jazz te lleva a pensar en la libertad humana y espiritual.
Un dueto que experimenta sobre un jazz contemporáneo o free jazz en la línea de los maestros Albert Ayler, Don Cherry y Steve Lacy, con un predominio de la improvisación con influencias orientales con momentos de gran calma y otros de gran intensidad para oídos abiertos a nuevos caminos.
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Marcos Miranda/Santiago Fortson, Sama (MEISA, 1998)
Xavier Quirarte, Pulse, 1999
Si una revista goza de credibilidad es Cadence, que en su número de noviembre de 2000, se ocupa del trabajo de Marcos Miranda a través de los discos Dueto (con el contrabajista Fernando Zapata) y Evidencias (con el pianista Huitzilín Sánchez), ambos editados por Jazzcat. En su reseña, Frank Rubolino destaca la empatía de Miranda y el contrabajista Zapata, como "un excelente ejemplo de cuan hondo han penetrado los conceptos de música improvisada en las culturas del mundo".
I have a lot of concerts to catch up with, as well as the scene in the streets. Next issue I'll report back on the effect President-elect Fox has on the arts scene; the word so far is not good. Although the vast majority are delighted that P.R.I. has finally broken its stronghold, my informants believe Fox and his party P.A.N. (cleverly, pan means bread) have a very corporate anti-art(ist) outlook. What's good for Cola Cola (Fox, before becoming Gobernador of the state of Guanajuato, was former CEO of Mexican Coca Cola) is not necessarily good for the muse, although the business economy is bound to improve. Meanwhile, as Mexico's political scene progresses, what better time to cover the "progressive rock" and jazz scene and hold off the opera and classical music for next issue.
The discs below are distributed through an amalgam of interlocking friends through Sr. Alex Ruíz and Julián Cruces de Gyves of MEISA, Música y Editora Integral, S.A. All can be purchased and the artists contacted via julianmex@netscape.net.
Marcos Miranda and Fernando Zapata. Dueto. (Jazzcat/MEISA RA009, 65:57.) Miranda on bass clarinet (see Sâma below) and Zapata on acoustic bass in a set that will hold its own with any free improv. Highly recommended, and I will cover this and other Miranda releases, including a brilliant disc of Thelonius Monk covers, in more detail in my "Incredible Risks" column next issue.
Sâma. (MEISA RRCJF001, 62:11.) Marcos Miranda on winds and percussion and Santiago Fortson on percussion. Both play psaltery on "Salmo," or psalm, the opening track, based on a Japanese pentatonic scale but sounding to me more klezmeric than Asian. Many of the other tracks have an Arabic origin. If you like Euro-chamber-jazz from hatHut or Between The Lines, this one is for you. An excellent jazz disc with an ECM-worldmusic tinge which strengthens rather than dilutes the music. Miranda and Fortson you listen closely, and the percussion takes your breath. A major winner.
Corcobado y Manta Ray. Diminuto Cielo. (Astro Discos A-009, 49:20.) Interesting rock sound. Jangly rhythms or dreamy slow tunes with theremin, scratching, and "here we come to the twenty-first century..." with lyrics about assassinations, gluey tears, life and death, love and hate. The singers' voices don't do it for me, but again, those instrumental textures, processing, and noises raise this above generic rock en español. They pronounce "s" as the Castillian "th."
Decibel. Fortuna Virilis. (Momia 09, 49:20.) Previous Decibel releases have been more in the prog-rock vein. Fortuna starts out as total free-improv. There's a wah-wah type sound that might be Walter Schmidt's or Alejandro Sánchez' loops, and Carlos Alvarado's bass clarinet playing is strong. Juan Carlos Ruíz of the excellent group Culto Sin Nombre guests on oboe. Sánchez' violin and other string playing is excellent, bringing an emotional element to a genre that often is cold and, pun intended, "dark." I've liked their earlier discs, also on Momia, and this is their best to date. Fans of Emanem free-improv discs are encouraged to try this one. If this were an American release, it would probably be on Cuneiform, if British, on ReR. Cuneiforms' Wayside distribution arm carries Decibel and some other Mexican jazz and prog-rock discs in the USA. vico@astroscu.unam.mx; www.cuneiformrecords.com.
Mexican Jumping Frijoles. Bazooka. (MJF/Rock'n'Roll Circus/Swenga RRCD50, 46:06.) An interesting humorous, bilingual, no-wave, punk, rap-influenced disc with a lot of electric guitar and quirky rhythms. The Breeders meet The Ruins perhaps? Some singalongs, anthems, lotsa BritPunk influence too.
Zappa/Hendrix/Worrell guitar too. These guys know their Funkadelic and Sublime. Somehow it all comes together. Titles include "Blunted Aztec" (pun obvious), "Cactus Erectus," "Big Time Double Bubble Trouble." As with so many American and British indie-punkpop discs, this is a joint effort of several labels. swenga@hotmail.com
Piel. (Serie Quetzalcoatl CD-06, 41:02.) Piel means skin. Pianist Raúl César Romero and percussionist Victor Baldovinos offer a duo set, unless you count the synth as a third voice. Some pieces recall Paul Bley's moody stuff, others such as "Valle en Eclipse" bring to mind Jarrett's more intense Impulse work. Distantly recorded. Incredibly erotic (not crude) picture label.
Via Lactea. 1977-1997. (Momia CD 08, 67:20.) Starting out with great slabs on noise, they add beats. The cover pic shows Via Lactea in performance at the Museo Universitario Del Chopo, a modern art venue close to "El Chopo," where the outdoor record vend and swap, populated by punk-dark-metal kids and other weirdos like me, meet every Saturday. Some tracks were recorded live at the Concurso These tracks cover all the genres from prog-rock, gothic, noise. Their noise stuff is great and varied, and if they'd drop the beats, I'd be enamored. Other is synth-grandiose. A mixed bag, natch, and recommended mostly to prog-rockers and perhaps to goths, whom the Mexicans call "darkies," not having US historical precedents to fear.
Speaking of Progressive Rock, Mexico is the land where, in exchange for coffee and cacao, prog-rock took root and grows wild. One of the longest-lived independent labels is Smogless. cesgar@prodigy.net.mx
The High Fidelity Orchestra. (Smogless/Magog SR 2011, 39:43.) This is excellent; recorded in 1982 and 1984, but not at all dated. "Las Hormigas" (The Ants) rapidly scurries electric bass chords up and down. "Ocho Veces.." lifts the guitar chords directly from Pink Floyd's "Breathe." The nine cuts are all short. "Anacronia" mixes a "You Really Got Me" chord progression with a Doorsy organ, adding synth space effects that are a gas. There's no pretense or rambling and everything is played with panache. A simpler Zappa-esque band, with, thankfully, no lyrics and just-right time changes. Good clean fun.
Humus. 4th. (Smogless SR 2014, 43:52.) I have their three previous releases, and this bests them all. This has two tracks. "Fatscope: A solid state suite built around 24 themes" open with flute and a bouncing electric bass by Victor Basurto acting like a digj, and then it turns Thick As A Brick rhythmically, with Jorge Beltrán's guitar soaring like Randy California, and then guitar and time changes like Zappa. These guys know their roots.
Iconoclasta. La Rencarna de Maquiavelo. (Smogless JRCD010, 42:02.) Despite the Machiavelli tune, this one's a disappointment. Prog-rock 101 for beginners. Trumpet-like synth fanfares, generic drumming on machines. Paint-by-numbers prog-chord changes.
Iconoclasta. Suite Mexicana/ Soliloquio (Art Sublime ASCD1291-003, 51:07.) What a difference! Opening with a folk tune on acoustic guitar, a flute obbligato, but then come the synth-rock stuff. An advance from Maquiavelo, but still too flavorless. The notes tell about a mestizo influence as found in Ponce, Revueltas and Moncayo. Balderdash. Both tracks of the fifteen-minute "Suite Mexicana" start with one minute of ethnic sound, then jump to arena-rock. Deluxe heavy gatefold LP package with thick plastic insert to hold the CD. This is a 1991 reissue of original 7" EP and LP, with bilingual notes, insert and group history.
Le Nut Le. (Smogless SR 2017, 63:03.) Saxophonist Germán Bringas with vocalist and percussionist Sergio Bustamante have a semi-rock semi-prog disc of tunes with keyboards and strained vocals. Lots of interesting details which don't quite cohere.
Smoking The Century Away. (Smogless SR 2017, 38:50.) A single track, starting with jangling guitars and keyboards and fun choices of sounds, rhythm and textures. Jorge Beltrán and Victor Basurto have the rare ability to take this fusion of music and make it fun but not silly. Rich sound from the guitar and electric bass, no mud, all sparkling. No section overstays its welcome, and the contrasting sections are not haphazard jump-cuts. The space game synth effects are not corny. Excellent red-tinted graphics of turn of the century photos. Nineteenth century, that is. Good stuff.
Opcion Sonica is a great label covering many types of Mexican rock and experimental records. Like the American Cuneiform label, they also serve as a distributor for the imported weird-rock and experimental genres of music which are overlooked at Tower Records Zona Rosa. Opcion Sonica has a sister label, Lejos del Paraíso which covers folk and rock releases. Many are licensed to Rounder. Opcion has an American office and website, which is worth a gander. I'll report on more releases in the future. www.opcionsonica.com.mx
José Fors and Carlos Esege. Duda Mata: Versión Original. (Opcion Sonica OPICD 109, 42:30.) A 1999 remaster of a 1987 release. This one's on the simplistic side, but has a style and a sound. Deep male vocals, with lots of echo a la Jim Morrison, but these moaning, spaced voice drones and arabesques, with random flute and percussion accents, are quite riveting. It's all voice, percussion and DX-7. Ultimately, I quite like this. Some cuts are proggy, others a bizarre cross between carousel music and operetta, such as "Space Race," with its high soprano voice, although no women are listed on that track. Excellent packaging, with photos of stream tractors and stream engines in turn of the (1900) century photos, in the booklet, tray card, and picture label.
Jaramar. Entre la pena y el gozo. (Lejos del Paraíso CDGLP 047, 57:04.)
Excellent disc by an excellent folksinger, with Gaelic-sounding acoustic and keyboard background. Picture a hybrid of between EuroFolkers such as Maria Del Mar Bonet and Renaissance specialist Esther Lamandier. Indeed, here are Sephardic folksongs and one by the Renaissance Spanish composer Luys Milan.
Jorge Reyes. Nierika/Ek-Tunkul. (Exilio/Lejos del Paraíso CDEX 028, 45:58.) Ocarinas, flutes, percussion, chanting, conch shells, white noise, didgeridoo, synths, to recall pre-Hispanic times as authentic as Zeena is to her time. Gorgeous fantasy stuff. Two bonus tracks from Reyes' 1983 disc Ek-Tunkul. My favorite Reyes disc is El Costumbre, on (Australian) Extreme XCD 021 label, easiest to find in the US and UK through Cargo Records distributors.
Jorge Reyes and Suso Saíz. Crónica de Castas. (Lejos del Paraíso CDGLP 39:09.) An ethno-ambient outing from 1990, these musicians use guitars, flutes, ocarina, strings drums, sequencers, voice and "atmospheres and treatments" to evoke the different ethnic mixes after the arrival of the Europeans. Standout track is the fifteen-minute "Saltatrá Cuarterón," which using flutes and percussion grab you by the throat. Extra sound smears remind me of Jon Hassell's groundbreaking Vernal Equinox (Lovely Records). "No Te Entiende" uses clapping and rhythmic vocal grunts seconded by guitar to good effect, with tape of children playing as an underlay.
Finally, on the smaller but diverse Global Entertainment, which also has classical and traditional gems among budget reissues and compilations:
Antonio Zepeda. Brujos del Aguatierra. (Global Entertainment GECD-7853, 64:31.) If you've heard one Zepeda you've heard them all. Perhaps the best of the ethnic explorers in the ambient/new-age vein, Zepeda uses pre-Hispanic instruments to invent sonic pre-Columbian scenarios and environments. The other masters in this vein include Jorge Reyes and J.L. Fernández Ledesma. This disc is one of Zepeda's best and worst, depending on your taste, for though the music is exemplary, many have lyrics which spoil the mood for me.
Next issue, we'll sit in on recording sessions with groups more indebted to free-jazz or chamber music: Culto Sin Nombre and Banda Elástica. Also, hat have Chris Cutler, Fred Frith, Paul Panhuysen, Alvin Curran, Carl Stone and Peter Garland been up to in Mexico? Later this year: the producers behind the elegant slipcases and bilingual books of two independent labels breaking all the rules in classical and beyond: Quindecim and Urtext. Concerts at Palacio de Bellas Artes, including an amazing complete Beethoven violin sonatas by Osorio and Markson, who recorded then for ASV. The music of the people, on Pentagrama and Corazón. Mexican composers on Sony and BMG. Then banda, mariachi and tropical. We haven't even come to the field recordings yet, or the American (I mean U.S.A.; México is one of the three North American countries) labels doing yeoman service for Mexican music and composers: Dorian, Bridge, CRI, and Arhoolie. It's a big country, so stick around.
Fernando Zapata y Marcos Miranda, adalides del FreeJazz
Elena Vilchis, Solo Jazz & Blues, Núm. 22, México, enero 1998
Evidencias
Pacho, "Ruidos de al calle", Reforma, 4 de agosto de 2000
"¿Cuál crees que es el propósito de la vida?" le preguntaron a Thelonious. Él respondió consiso: "Morir". El anécdota es consignado por Xavier Quirarte en las notas que acompañan al CD Evidencias. La multidimensionalidad de Thelonious Monk, del saxofonista Marcos Miranda y el tecladista Huitzilin Sánchez, editado por el sello independiente Jazzcat (2000).
La vida le dio la razón: efectivamente Monk murió en 1982, como lo haremos todos nosotros. Y tal vez no fuera el propósito de Thelonious, pero su herencia perdura hasta hoy día, por ejemplo, cuando los críticos escrutan su laconismo, acaso intentando descifrar su leyenda. Mientras tanto, los músicos sobrevivientes, jóvenes o no, lo siguen recreando, redescubriendo y reinventando. La evidencia no lo es tanto: sin el glamour bohemio con que ahora se recuerda la época de esplendor del jazz norteamericano, el jazz en México es una música viva que carece de los reflectores y los espacios de difusión del que gozan otros géneros musicales locales. En otras palabras, quien toca jazz en México hoy día, lo hace inequívocamente por convicción, sin propósito alguno que no sea la música misma. Casi la introspección.
A pesar de las arduas condiciones para tocar jazz en México, Marcos Miranda es un músico prolífico que ha explorado con sus alientos la música árabe, africana, oriental, el funk, el free jazz, así como diversas tradicones mexicanas. Evidencias es ya su sexto disco independiente, desde luego, ¿qué gran disquera graba a un jazzista mexicano? Le anteceden "Sama" (1998), "Aisha María" (Jazzorca/Opción Sónica, 1998), "Umbral", con el grupo Itinerantes (Pentagrama, 1998) y "Dueto" (Jazzcat, 1999). Además, Marcos ha creado un proyecto llamado S.A. de C.V. (Sociedad Acústica de Capital Variable), un colectivo que agrupa a músicos, escritores, fotógrafos, artistas escénicos y pintores.
El diálogo que Marcos y Huitzilin establecen con Thelonious en el disco Evidencias, hace que Monk ya no sea Monk solamente, asunto que se aprecia hasta en los instrumentos con que lo recrean: metales, Kalimbas, Gongs, Guajes, Ney Flute, teclados eléctricos, Radio, y Handsaw, lo cual lleva su sonido hacia distintas latitudes, armonías y texturas, donde perdura el motivo central de la melodía, sin solemnidad (Bemsha Swing), a veces incluso con humor en el tempo y el timbre (Blue Monk).
Marcos evoca el origen de su pasión por Monk: "El primer disco que oí de Monk en los setenta fue Misterioso, pero tomó tiempo para que me encantara. A partir de 1992 tuve varios sueños que me decían que debía acercarme a Monk. Estuve entonces casi siete años tocando diario música de Monk, oyéndolo y experimentándolo".
"Lo que distingue a Monk es cierta impermeabilidad", continua Marcos. "Creó su esfera musical y no hizo concesiones. Creo sus monkismos. Mucha gente dice incluso que él creó el be bop. Los monkismos son, 1- la maestría del tiempo, con la cual creaba unos silencios en lugares donde no te lo esperas y que resultan muy difíciles de interiorizar. 2- Por otro lado la simpleza de las melodías, pero que conjugadas con ese juego rítmico, las hace muy escabrosas. 3- También están las armonías que él usaba, que en su tiempo eran una herejía, sobre todo la novena disminuida, que resultaba completamente disonante".
Marcos se apasiona con los hallazgos armónicos de Monk: "Hasta los años 40 la armonía en la música popular era muy establecida y delimitada, pero en esa década el be bop extiende las nociones del acorde, incluyendo la novena nota que antes no respondía al buen gusto. Monk agrega, además, muchas otras notas que sonaban disonantes. Actualmente ya hay mucha música que se hace así, pero no en los cuarenta. En este sentido, Monk vislumbró el siglo veintiuno".
La presentación del disco Evidencias será el 9 de agosto a las 18:00 horas, en la Casa Cultural de la Delegación de Tlalpán, ubicada en Camino a Santa Teresa sin número, esquina Zacatepetl, colonia Bosques de Tlalpan, atrás de Villa Olímpica.
La Sociedad Acústica de Capital Variable interpretará el material de Evidencias ese día, estará conformada ahora por Pedro Alpodaca en la batería, Miguel Cabuto contrabajo, Huitzilin Sánchez teclado y Marcos Miranda en los alientos, además de Xavier Quirarte leyendo textos y cantando. Estará también Rogelio Novara, que se ocupa de los samples, guitarra eléctrica y multimedia. José Luis Benlliure en la plástica. Se proyectarán fotografías inspiradas en los monkismos sonoros, que para Marcos se podrían definir en el campo visual como cosas absurdas pero simples, "absurdas en el sentido de su contexto". Acaso tan misteriosas aún, como evidentes.
Comentarios: pachojose@hotmail.com
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Aisha María, Marcos Miranda
Adrian Bernal, PromoJazz, enero 1999
Marcos Miranda de origen boliviano, llega a México en 1972. El gusto por la música siempre ha estado presente, de pequeño jugaba y tocaba diferentes cacharros, ya adolescente sus primeras influencias musicales fueron el funk (bump), el rock (Frank Zappa, Yes, Pink Floyd, Jethro Tull, Janis Joplin, etc.) después el jazz. con Dulke Ellington y el Modem Jazz Quartet, diez años de escuchar música lo volvieron un melómano, el dice esto fue mi verdadera escuela, escuchando desde A. Shónberg, 0. Messiaen, K. Stockhausen hasta A. Ayler, E. Dolphy, S. Lacy, J. Coltrane, C. Mingus, T. Monk, el Miles eléctrico y la música étnica principalmente oriental.
Empezó a los 23 años a tocar el sax soprano, tratando de imitar a los grandes saxofonistas del free jazz, esto lo llevo a estudiar en el taller de jazz: de la Escuela Superior de Música para acercarse a la música de¡ maestro Thelonious Monk, allí conoció a otros músicos de los cuales también aprendió, formando sus primeros ensambles musicales, principalmente dúos de sax y batería, esto hizo que desarrollara una forma personal de tocar, de tal manera que tuvo el honor de cerrar el XIII Y XIV Festival de Jazz de la E.S.M. con música de Don Cherry, otros lugares donde ha tocado es en el Café Jazzorca donde con su dueño el multinstrumentista Germán Bringas ha tocado y ha hecho diferentes producciones, como: Alas del amor, Sociedad Acústica de Capital Variable, Itinerantes y sus dos más recientes producciones en disco compacto Aisha María y Sama. Aisha Manía es el resultado de fa investigación musical de la kalimba (instrumento de origen africano) y en donde este es el instrumento protagonico, Marcos Miranda deja a un lado los alientos y toca exclusivamente la kalimba. La música del disco surgió primero como elemento terapéutico en la labor de parto; las composiciones surgieron a raíz del alumbramiento de su hija
.
Marcos dice al respecto, la Kalimba siempre ha estado presente en mi experiencia musical, además es un instrumento muy dúctil para acompañar, en cada pieza hay una afinación diferente en la kalimba, en 191 compacto me hice acompañar por gente que esta muy cercana 8 mí en lo personal, más que en lo musical, el disco se lo dedico a mi hija, que para mi es un manifiesto para la vida, Aisha María significa vida en Arabe.
En una faceta distinta Marcos Miranda, nos muestra un lado más amable de su música, en esta producción se hace acompañar por diferentes músicos: Silvie Henry y Claudia Montiel en voces, Santiago Fortson en percusiones y kalimba y coautor de algunas piezas, Rodrigo Castelán en contrabajos, Huitzilín Sánchez en composición, kalimba, percusión y palo de lluvia, Pepe Navarro en marimba y composición Germán Bringas coautor de varias piezas, trompeta, zampoña, piano, teclado, ocarinas y guajes. Todos ellos aportando diferentes sonoridades, en el que predomina un estado de animo de reflexión y relajación idóneos para la meditación.
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EL CAMINO DEL DUETO
Sergio Monsalvo, Circulo Mixup, Nº 89, México, agosto 2000
"No conozco en el ámbito nacional obras para clarinete bajo y contrabajo, asíque la nuestra es queuna aportácion en ese campo"
¿Por qué escogiste a Fernando Zapata para el proyecto?
Cuando conocí a Fernando lo que me gustó de su interpretación fue que tenía el sonido más mingusiono en el con trobajo que yo había escuchado en México. Eso fue lo que determinó su participación en Dueto.
¿Cómo se dio la grabación del álbum?
Estó grabado en tres periodos. El primero fue en vivo en el Café Jazzorca; el segundo, en uno serie de cafés también de la ciudad de México donde surgieron tocados de manera inesperad ro oportuna, y finalmente lo terminamos un año después, adentro al estudio y grabar algunas cosas y efectuar lo mezclo.
¿Cuáles fueron las bases para llevar a cabo esta obra?
El fundamento estético se dio en dos sentidos. Uno fue mi relación musical con la figura de Eric Dolphy y con la de Charles Mingus. Ambos aportaron a mi bagaje los pilares básicos en los que me he sustentado (los otros son Steve Lucy y AlbertAyler). Nunca tocaron juntos, lamentablemente, pero me dieron la idea pura realizar mi propia interpretación de un dueto semejante. Dolphy trabajó en este sentido con Ron Carter, y de esa conjunción salió una pieza que me impuctó mucho: Whot Love?", la cual interpretamos en el disco. Al mismo tiempo, Dueto tiene un objetivo político. Ambos hitos de, mi historia musical estu ieron comprometidos con la problemática de su tiempo. Mingus incluso utilizó el texto improvisado para dorte realce a sus munifestaciones socioles. Yo decidí hacerlo también en temas como "Little Boy visita Hiroshimo`, por ejemplo, así como mi interpretación musical o situaciones como lo de Acteol, o la que le dedico una pieza homónimo. No conozco en el ómbito nacional obras pora clarinete bajo y contrabajo, así que lo nuestro es una aportoción en ese campo.
¿Quien es Marcos Miranda?
Estas palabras, dichas por Marcos Miranda de la Sociedad Acústica señalan sin rodeos la que parece ser la única alternativa para que el jazz mexicano evite la inanición
Estamos a unos años del siglo XXI y en este país aún no hemos podido desarrollamos del todo o, por lo menos, conseguir un crecimiento armónico en el plano musical. El rock hecho en México vive uno de sus mejores momentos; hay apoyo e impulso a la música de concierto; pero no podemos afirmar lo mismo de un género cuya práctica es ya añeja: el jazz. ¿Qué sucede con éste? ¿quiénes y dónde lo ejercen? ¿ha progresado en los últimos veinticinco años? ¿tiene un sonido propio, identificable? ¿cuál es su estado de salud? Hay una lista de nombres imprescindibles, pioneros en el quehacer jazzístico nacional y todavía activos: el baterista Tino Contreras, el trompetista Chilo Morán o el bajista Víctor Ruiz Pasos. También hay exponentes de otra generación como Ana Ruiz, Sacbé, Cristóbal López o Héctor Infanzón, encargados de mantenerlo vivo en las dos últimas décadas; y una nueva camada, aún en ciernes, a la que le corresponde delinear el futuro. Pero también hay problemas, demasiados problemas. Ausencia de infraestructura, nulo interés de las compañías disqueras (y por ende una magra discografía), falta de espacios para su difusión, lucha -no siempre leal- por las fuentes de trabajo que redunda en: a) la inestabilidad de los grupos, b) la imposibilidad de generar composiciones y un sonido propios; y c) una contienda generacional.
Pugna generacional
A los ojos de quien esto escribe, hay en la música sincopada una pugna generacional cuyo conflicto aparente esel concepto de qué es y cómo debe tocarse el jazz; pero bajo el cual subyace la disputa por las fuentes de trabajo.
"No creo -dice el pianista Alberto Zuckermann- que la vieja guardia vea con simpatía a algunos músicos que los han superado y a su vez encuentro una total falta de respeto de algunos jóvenes para músicos que sí lo merecen; pero como no hay un registro discográfico no saben lo que significaron en un momento dado". Demos un paseo por una tienda de discos, cualquiera, a la búsqueda de jazz mexicano y encontraremos un vacío. Los acetatos del pasado, aquellos que deberían de servir de soporte, raíz e inspiración a los jazzistas actuales, fueron descatalogados hace mucho tiempo, algunas de las compañías ya desaparecieron y no hay interés o dinero para editarlos en disco compacto. Por si eso fuera poco, es escaso lo grabado en los últimos quince años y estas placas, en su mayoría, se han elaborado de manera independiente y con tirajes limitados (¿Mil discos para una megalópolis? ¿y el resto del país?) lo que conlleva problemas de distribución (mala) y difusión (nula). Visto así, no hay un repertorio de composiciones originales que se haya incrementado con el tiempo, aunque hay indicios de cambio. "Las nuevas generaciones -cuenta Francisco Téllez, pianista y fundador del Cuarteto Mexicano de Jazz- están aportando un aspecto muy importante: el material propio. Hubo un periodo en el que los músicos únicamente tocaban música norteamericana y pocas veces había la oportunidad de interpretar composiciones de uno. Incluso parecía mal visto". Para Germán Bringas, saxofonista y creador del sello independiente Jazzorca Records el jazz hecho en México "se ha buscado por anos y sigue buscándose. Veo a músicos como Agustín Bemal y lo siento honesto; otros se preparan para tener chamba en hoteles. Es un terreno difícil de objetivar porque es como un fantasma con pocos -puntos concretos"
La falta de foros, signo de indigencia
Una condición esencial para el desarrollo del jazz es su exposición ante el público. Sin embargo, al carecer de suficientes fuentes de trabajo los músicos son volátiles (el número de instrumentistas que ha desfilado por el Cuarteto Mexicano de Jazz se acerca a los cien), emigran al hueso (acompañar a un cantante de moda) y rara vez logran permanecer en una agrupación de tiempo completo con lo cual podrían generar un mayor entendimiento y por ende un sonido propio. La creación -invariable y justificadamente- se supedita a la satisfacción de las necesidades vitales. Evodio Escalante escribió en 1982 un ensayo (reeditado en 1990 por la Universidad Pedagógica Nacional en una plaquette titulada Figuras del Jazz Contemporáneo (1) México en el jazz) de una vigencia contundente: "Véase el signo de nuestra indigencia musical. En una ciudad maerocefálica y congestionada como la ciudad de México, con ocho millones de habitantes, sólo existen dos o tres lugares fijos para ir a escuchar el jazz". Aunque la población se ha triplicado, el número de lugares se ha reducido. En la metrópoli tenemos el Jazzorca (ver Pulse! México Núm. l), el Nueva Orleans y el lobby de uno que otro hotel de cinco estrellas. El Arcano, sitio en donde mostrar el trabajo propio, impulsar la improvisación y posibilitar la interacción entre los músicos sin importar edad ni tendencia era el leitmotiv, enfrentó desde su nacimiento innumerables dificultades con los vecinos, disputas que provocaron su cierre en distintas ocasiones. Al momento de escribir esto las puertas del lugar ubicado en División del Norte aún permanecían cerradas y no había indicios claros de que la situación fuera a solucionarse. Marcos Miranda, saxofonista de la Sociedad Acústica de Capital Variable (cuarteto -que-antes--de--disolve-rse-eni ara-un caset), ante la au~encia de foros opina: "Quisiéramos más lugares y poder vivir del jazz: hay que crear canales de distribución, abrirse y todo eso es trabajo. Debemos comenzar a pensar, en el buen sentido de la palabra, como una guerrilla cultural, a organizamos en pequeños grupos y crecer, crecer". Otro problema grave es la ausencia de escuelas con métodos pedagógicos adecuados en las cuales se imparta el jazz. Durante quince años, Francisco Téllez ha coordinado los talleres de jazz de la Escuela Superior de Música, pero sus esfuerzos por hacer de éstos una licenciatura se han topado con la burocracia: "Ha sido muy laborioso hacerles ver a las autoridades la valía del jazz. Creo que tienen miedo de reconocer el plan de estudios no obstante que éste se encuentra completamente terminado porque siguen pensado en el jazz como música de segunda categoría".
Hacer, hablar de y difundir el jazz es laborioso porque la palabra inspira rechazo, se piensa en éste como una música complicada, inaccesible. Es una etiqueta circundada por estereotipos -la mayoría erróneosdifíciles de cambiar. Tal vez una salida sea la de venderlo de otra manera, quitarle esa aura de supuesta solemnidad. Para Gabriel González, bajista del grupo La Casa de Agua, "hay que vender el jazz de otra manera porque desgraciadamente es algo relacionado íntimamente con la cultura musical del público y éste no tiene idea de lo que es el Jazz Y Ana Ruiz, pianista que en los setenta formara parte de Atrás del Cosmos y luego del trío West, Ruiz y Mann, agrupaciones denostadas, rechazadas e incomprendidas por practicar freejazz, piensa que "en este momento tal vez hay que ponerle otro nombre a lo que hacemos porque los jazzistas se cerraron y el músico tiene que estar abierto".
Hay talento, pero...
Público existe, pero éste siempre recibe lo mismo. Ya se mencionó que la escasez de lugares ha impedido un crecimiento y coartado la libertad para explorar otros estilos diferentes al jazz tradicional y edulcorado que, en muy raras ocasiones, se llega a difundir por radio o televisión. Aunque el panorama no se antoja alentador, el aferre persiste. Para Alain Derbez, autor de Datos para una historia aún no escrita. Una aproximación aljazz en México (edit. Ponciano Arriaga), el texto más conflable y documentado del devenir Jazzístico nacional de sus orígenes a la actualidad, la existencia de una nueva camada de jazzistas impone un parteaguas, con perspectivas muy amplias y propuestas individuales frescas. Pero eso no basta pues "como toda nueva generación se tiene que enfrentar con las anteriores y con los vicios creados por éstas, uno de ellos es la relación con las fuentes de empleo porque los empleadores, que son pocos (cada vez menos), siguen trabajando con métodos tradicionales". Hay talento, pero no dónde desarrollarlo ni dejarlo registrado. Es el caso de la desaparecida Coyoacán Records o el de Producciones Fonográficas, sello que ha dado muestras de desconocimiento a la hora de manejar, difundir y vender a los jazzistas (pocos) de su catálogo. El Jazz mexicano está sumido en un hoyo negro y aseverarlo no es un gran descubrimiento. Ha sido el tenor, la constante del género en nuestro país. Probablemente haga falta encauzar proyectos a largo plazo en vez de contentarse con pequeños y aislados logros. Hace falta unión entre los músicos, lugares en donde no imperen las restricciones para manifestarse creativamente y así generar un sonido propio, compañías grabadoras menos impositivas, el surgimiento de más sellos independientes e imaginación para la distribución y difusión de los productos. Sólo hay que encontrar una mejor manera de alimentar continuamente al público. Porque sin continuidad, la historia se interrumpe y siempre es necesario comenzar de cero.
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Hecho en México
Xavier Quirarte en Pulse, junio 2000
Frith y Cutier, dos artistas que conocen a fondo el arte de la colaboración, se integran en los engranes que conducen a esta sesión de música libre, emparentada con el rock en oposición. A lo largo de casi dos horas, las obras sostienen su carácter de desafío al escucha, que en todo momento debe estar preparado para lo imprevisto.
Revisitar la obra de Thelonious Monk y ofrecer una propuesta contemporánea, es un reto que han sabido afrontar músicos como Steve Lacy, Paul Motian, Mal Waldron y Randy Weston. A dueto con el tecladista Huitzilín Sánchez, Miranda ha encontrado el camino para hurgar en la arquitectura monkiana para dejar fIL 1 5 U'S influencias en otras músicas. Evidecias Oazzcat Records, 2000), muestra las huellas de Lacy en las ejecuciones de Marcos al soprano, pero el dueto deconstruye las intrigantes piezas del homenajeado para erigir atmósferas propias. El disco es el resultado de un largo proceso de aprendizaje, de ensayos y errores, en el que fue necesario despojarse de la necesidad de tratar de igualar lo inigualable, para apropiarse de la esencia de Monk y crear algo diferente. Desde el grito dolphyano del clarinete bajo en 'Epistrophy" hasta el funk contagioso de "Hackensack", que incluye la voz sampleada del propio Thelonious de la cinta Straight No Chaser, ambos músicos s enfrascan en una búsqueda que no reconoce fronteras entre e[ jazz: y el rock, el funk, la música de Oriente, África y otros puntos de la tierra.
En una entrevista reciente, Chick Corea recordaba su breve asociación con el saxofonista Eric Dolphy, lamentándose de que no hubiera sido más larga, ya que además de un músico excepcional, fue para él una fuente de inspiración como ser humano generoso. Lamentablemente Dolphy murió demasiado pronto y gran parte de la atención se centró sobre la figura de John Coltrane, lo que alejó al gran público de uno de los grandes innovadores de los sesenta. No obstante, su legado sigue siendo fuente de inspiración, como lo demuestra Marcos Miranda en Dueto Oazzcat RecordS, 2000), trabajo en el que comparte con el contrabajista Fernando Zapata la músic: creada a la memoria de Dolphy y de su gran amigo e impulsor Charles Mingus. Disco emotivo en el que el clarinete bajo (instrumento reinventado por Dolphy) entabla un diálogo con el contrabajo en una serie de composiciones sin el excesivo pulimiento que acaba por matar el arte. Sin dura, los homenajeados hubieran disfrutado la trepidante versión de "What Love?", compuesta por Mingus.
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Marcos Miranda es uno de los músicos más inquietantes y originales de la escena de¡ jazz en México. Con ocasión de la salida al mercado de su nuevo disco, Dueto, conversé con él acerca de esta obra.
Marcos, ¿cómo surgió el concepto para la realización de Dueto?
Uno de los grandes arquetipos que tengo metido en el alma es Eric Dolphy Yo soy un intérprete de¡ clarinete bajo, y si hoy alguien a quien haya oído tocar el instrumento de manero ejemplar es a él. He invertido muchos años de mi vida en estudiar su obro. Dicho estudio me hizo estar consciente de que al clarinete bajo no se le puede utilizar en cualquier formación, porque es un instrumento difícil, no sólo como maquinaria, sino también por su técnica y por su forma de afinación. Otro handicap que tiene es que es un instrumento de modera no muy brillante en su sonoridad. Los tonos armónicos de otros instrumentos se lo comen fácilmente. Me di cuenta de que lo combinación ideal sería con el contrabajo. De esto manera comencé a pensar en un proyecto con esa dotación. Mi idea original era grabar una serie de tocadas por varios cafés. Uno vez hecho eso, entrar o¡ estudio y con todo lo grabado ir armando un disco como una especie de rompecabezas. A pesar de los problemas, estoy satisfecho con el resultado.
¿Quien es Marcos Miranda?
Nació el 9 agosto de 1966 en La Paz, Bolivia, pero llegó a México a la edad de cinco años y por lo tanto se considera mexicano. Es un multiinstrumentista que incluye en su haber los saxes soprano y tenor, clarinetes bajo y contraalto, la kalimba, salterio, gong y percusiones.
"¿Cuál crees que es el propósito de la vida?" le preguntaron a Thelonious. Él respondió consiso: "Morir". El anécdota es consignado por Xavier Quirarte en las notas que acompañan al CD Evidencias. La multidimensionalidad de Thelonious Monk, del saxofonista Marcos Miranda y el tecladista Huitzilin Sánchez, editado por el sello independiente Jazzcat (2000).
La vida le dio la razón: efectivamente Monk murió en 1982, como lo haremos todos nosotros. Y tal vez no fuera el propósito de Thelonious, pero su herencia perdura hasta hoy día, por ejemplo, cuando los críticos escrutan su laconismo, acaso intentando descifrar su leyenda. Mientras tanto, los músicos sobrevivientes, jóvenes o no, lo siguen recreando, redescubriendo y reinventando. La evidencia no lo es tanto: sin el glamour bohemio con que ahora se recuerda la época de esplendor del jazz norteamericano, el jazz en México es una música viva que carece de los reflectores y los espacios de difusión del que gozan otros géneros musicales locales. En otras palabras, quien toca jazz en México hoy día, lo hace inequívocamente por convicción, sin propósito alguno que no sea la música misma. Casi la introspección.
A pesar de las arduas condiciones para tocar jazz en México, Marcos Miranda es un músico prolífico que ha explorado con sus alientos la música árabe, africana, oriental, el funk, el free jazz, así como diversas tradicones mexicanas. Evidencias es ya su sexto disco independiente, desde luego, ¿qué gran disquera graba a un jazzista mexicano? Le anteceden "Sama" (1998), "Aisha María" (Jazzorca/Opción Sónica, 1998), "Umbral", con el grupo Itinerantes (Pentagrama, 1998) y "Dueto" (Jazzcat, 1999). Además, Marcos ha creado un proyecto llamado S.A. de C.V. (Sociedad Acústica de Capital Variable), un colectivo que agrupa a músicos, escritores, fotógrafos, artistas escénicos y pintores.
El diálogo que Marcos y Huitzilin establecen con Thelonious en el disco Evidencias, hace que Monk ya no sea Monk solamente, asunto que se aprecia hasta en los instrumentos con que lo recrean: metales, Kalimbas, Gongs, Guajes, Ney Flute, teclados eléctricos, Radio, y Handsaw, lo cual lleva su sonido hacia distintas latitudes, armonías y texturas, donde perdura el motivo central de la melodía, sin solemnidad (Bemsha Swing), a veces incluso con humor en el tempo y el timbre (Blue Monk).
Marcos evoca el origen de su pasión por Monk: "El primer disco que oí de Monk en los setenta fue Misterioso, pero tomó tiempo para que me encantara. A partir de 1992 tuve varios sueños que me decían que debía acercarme a Monk. Estuve entonces casi siete años tocando diario música de Monk, oyéndolo y experimentándolo".
"Lo que distingue a Monk es cierta impermeabilidad", continua Marcos. "Creó su esfera musical y no hizo concesiones. Creo sus monkismos. Mucha gente dice incluso que él creó el be bop. Los monkismos son, 1- la maestría del tiempo, con la cual creaba unos silencios en lugares donde no te lo esperas y que resultan muy difíciles de interiorizar. 2- Por otro lado la simpleza de las melodías, pero que conjugadas con ese juego rítmico, las hace muy escabrosas. 3- También están las armonías que él usaba, que en su tiempo eran una herejía, sobre todo la novena disminuida, que resultaba completamente disonante".
Marcos se apasiona con los hallazgos armónicos de Monk: "Hasta los años 40 la armonía en la música popular era muy establecida y delimitada, pero en esa década el be bop extiende las nociones del acorde, incluyendo la novena nota que antes no respondía al buen gusto. Monk agrega, además, muchas otras notas que sonaban disonantes. Actualmente ya hay mucha música que se hace así, pero no en los cuarenta. En este sentido, Monk vislumbró el siglo veintiuno".
La presentación del disco Evidencias será el 9 de agosto a las 18:00 horas, en la Casa Cultural de la Delegación de Tlalpán, ubicada en Camino a Santa Teresa sin número, esquina Zacatepetl, colonia Bosques de Tlalpan, atrás de Villa Olímpica.
La Sociedad Acústica de Capital Variable interpretará el material de Evidencias ese día, estará conformada ahora por Pedro Alpodaca en la batería, Miguel Cabuto contrabajo, Huitzilin Sánchez teclado y Marcos Miranda en los alientos, además de Xavier Quirarte leyendo textos y cantando. Estará también Rogelio Novara, que se ocupa de los samples, guitarra eléctrica y multimedia. José Luis Benlliure en la plástica. Se proyectarán fotografías inspiradas en los monkismos sonoros, que para Marcos se podrían definir en el campo visual como cosas absurdas pero simples, "absurdas en el sentido de su contexto". Acaso tan misteriosas aún, como evidentes.
Ritmos de la Eternidad, es el nombre de uno de los últimos trabajos del escritor y crítico mexicano Xavier Quirarte. En él desarrolla, a través de una escritura fluida y creativa, 53 retratos que van desde Karl Berger hasta Phil Woods, pasando por Don Byron, Jimmy Cobb, Giorgio Gaslini, Jerry González, Ron Miles o Carlos Santana, entre otros... Publicado dentro de la colección Periodismo Cultural y editado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, es un libro de lectura recomendada que viene a enriquecer la escasa bibliografía musical editada en castellano.
J. L. Salinas, Cuadernos de Jazz Núm. 63, Madrid, marzo-abril del 2001
Miranda/Zapata: Dueto
Marcos Miranda (c1), Fernando Zapata (b, tp), Roque Guzmán (sb), Huitzilín Sánchez (tecl, perc), Rodrigo Vera (voc), Roxana Betancourt (didjeridoo).
México, abril y mayo de 1997 y mayo de 1998. Jazzcat 009
Marcos Miranda/Huitzilín Sánchez: EvidenciasMarcos Miranda (cl, ss, st, fl, kalimba, gonqs), Huitzilín Sánchez (tecl, kalimba, toys)
México, diciembre de 1998. Jazzcat 014.
Desde México nos llegan dos discos de contenido iconoclasta, alejado de cualquier pretensión de continuismo. El primer trabajo prolonga la amistad entre Charlie Mingus y Eric Dolphy, reconvertidos aquí en el tándem Miranda/Zapata, El abrazo sin compromisos entre los protagonistas les permite avanzar un paso más en el camino del free jazz. Aquí lo que cuenta es expandir la frontera interior; un lugar cambiante que puede manifestarse de forma sosegada (La Trasmutación) o tumultuosa (Jinns), onomatopéyica (La postración del elefante) o claramente narrativa (Litile Boy).
El segundo álbum, que comparte con el anterior protagonista principal, se inscribe en otro contexto, Propone revisar, desde nuevas perspectivas, el legado autoral de Thelonious Monk. Los resultados son sin duda satisfactorios. Miranda y Sánchez demuestran haber asimilado la esencia de la obra monkiana, lo que les permite trasladarla con imaginación y credibilidad a contextos muy diferentes de los originales.
Para ello recurren, como un argumento más, a una instrumentación cambiante, que además utilizan acertadamente. Así, piezas como Bemsha Swing o Introspection están teñidas de un misticismo que es reforzado por una flauta oriental o el uso de campanas. Desde la corta versión de Epistrophy que inicia el disco (y que suena a banderín de enganche) hasta los matices experimentales de Hackensack, que lo concluye, predominan las lecturas envolventes, conduzcan a la telajación (como en el primer tramo de Littie Tootie Rootie) o al desasosiego (Reflections). En síntesis, un trabajo arriesgado, con momentos de serena belleza junto a otros de inquietud perturbadora, que ha sabido captar el espíritu de Monk.
J. L. Salinas
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About Sama
David Lewis, Cadence, Nº 11, November 1999
David Lewis
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About Evidencias and Dueto
Frank Rubolino, Cadence, Nº 11, November 2000
1) MARCOS MIRANDA - FERNANDO ZAPATA, DUETO, JAZZCAT 9.
El Desayuno del Pterodáctilo / Fase 7/Mingusmania/Little Boy Visita Hiroshima /Acteal /Malevich / La Transmutación de un Cara de Niño a un Colibri / Zarpando de la República Bananera / Jinns / Bluesorca / La Postración del Elefante / What Love. 65:51.
Miranda, b cl, cl, kalimba; Zapata, b, tpt; Rodrigo Vera, narration -4; Huitzilín Sánchez, teclado, perc -7; Roxana Betancourt, didi -7; Roque Guzmán, bari s -12. 4/97, 5/97, 5/98, México City, México.
Epistrophy / Friday the 13th / Little Rootie Tootie / Played Twice Bemsha Swing / Well You needn't / Blue Monk / Introspection / Reflections / Ugly Beauty / Evidence / Coming on the Hudson / Ruby My Dear / Hackensack. 62.51.
Marcos Miranda, b cl, cl, ss; ts, filt, kalimba, toys, guaje, gongs;
Huitzilín Sánchez, kybd, kalimba, toys, radio, handsaw. 12J98, México City, México.
The seleclions with expanded personnel are equally engrossing. "La Transmutación...." is a quartet piece where the two are joined by Sánchez and Betancourt. The addition of the didjeridoo and percussion form the basis for an African ritual dance of rhythm augmented by Miranda's kalimba . Vera narrates in Spanish a poignant saga about the reality of war on "Little Boy Visita Hiroshima," and Guzmán joins the two leaders on the closing 18 minute Mingus classic, "What Love," to add spice with his mellow baritone sax meanderings. These trio and quartet cuts add further to the interest that continues to build as the album unfolds. Miranda and Zapata deservedly get equal billing, yet the intriguing dirge oozing from Miranda's clarinets is the driving passion. This recording is an excellent example of how deeply the concepts of improvised music have penetrated world cultures. lt is a winner.
Miranda again extends the boundaries of the clarinet and other reeds on the all-Monk program on (2). He and Sánchez work their way through 14 Monk compositions on this unique disc subtitled The Multidimensionality of Thelonious Monk, Each is done in a different musical style. The album does not fall in line with typical tribute recordings. Miranda imbues every tune with his own distinctiveness, using the harsh clarinet to cut jagged edges or the saxophones to depict stylistic variations of the often-disguised melody lines. His staccato style of playing with its short, irregular blasts brings a new dimension to the music of Monk. When switching to tenor on "Played Twice," he introduces a faint glimpse of straight-ahead playing, This sleight of and is deceptive, for he immediately moves to the Ney flute to perform a most unusual Andean version of "Bemsha Swing" The bass clarinet dirge on "Introspection" is an extreme rendition of the tune, and he turns "Reflections" into an Ayler-ish dream or near nightmare sequence on tenor.
Sánchez proves to be an interesting partner for Miranda. His primary instrument is the keyboard, from which he evokes a variety of sounds to complement the alternate road Miranda travels. He scurries over the keys adding freshness to the program. Humor comes through with his ragtime version of "Blue Monk," and he introduces numerous toy instruments and gadgets to spur Miranda even further afield. Sánchez is a continually changin chameleon who uses all his sound makers to provide en original backdrop from which Miranda can paint his abstract portrait of Monk. Miranda is a very rewarding musician who brings originality to every setting he joins. Using samples of Monk's voice to invade "Hackensack" was a neat touch. By taking on Monk in this bold way, he shows a talent that is far-reaching and visionary. He is a fresh voice who deserves wider exposure.
Frank Rubolino
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Marcos Miranda: el arte del dueto
Xavier Quirarte, Milenio Diario, junio 2000
Hace algunos años Harold Budd comentaba que había escogido una de las profesiones menos lucrativas: la de compositor de música avant garde. Budd hacía referencia al panorama estadunidense, en el que, aunque reducido, al menos existe un mercado para el tipo de música al que se dedica. Sin embargo, en nuestro país cultivar el jazz avant garde o la improvisación libre prácticamente equivale a ser un desempleado. Los trabajos escasean, las compañías discográficas se muestran indiferentes, los promotores arrugan la nariz ante lo que no conocen y el público, en general, prefiere música más digerible. En aras de la supervivencia —o de cumplir sus sueños pequeño-burgueses, que todavía se puede usar el término—, muchos jazzistas que tocaban este tipo de música han claudicado. Pero hay otros que se han planteado la música libre como un proyecto de vida y persisten en abrir la mente de los escuchas. A esta estirpe pertenece Marcos Miranda, saxofonista de origen boliviano pero con suficientes años de residir en México para saber que grabar un disco de jazz experimental requiere de un esfuerzo titánico. Su mérito, además de haber realizado cinco discos en un periodo de tres años, es apuntar con ellos en muy diversas direcciones.
En sus grabaciones más recientes, Sama, Evidencias y Dueto, Miranda ha recurrido al formato del dueto para hurgar en los terrenos de una música que escapa a lo convencional. La inspiración para estos proyectos provienen de discos como Interstellar Space, que reunía a John Coltrane con Rashied Ali; Long March, con Archie Shepp y Max Roach; y los diversos duetos de Steve Lacy con músicos como Mal Waldron.
Sama fue grabado con el percusionista Santiago Fortson, Evidencias con el pianista Huitzilín Sánchez y Dueto con el contrabajista Fernando Zapata. Sobre esta formación, Miranda dice en entrevista: "El dueto permite desarrollar tu perspectiva musical porque tienes que construir un discurso únicamente con el apoyo de otra persona. Esa es una de las grandes virtudes, pues tiendes a buscar el equilibrio de una manera más directa".
Ornette Coleman decía que xxxx.
"Sí creo en el concepto amplio de la armonía en la música, la que no sólo puede incluir las reglas acústicas que uno pueda concebir, sino también la relación personal con los músicos. Con Santiago Fortson se trata de una amistad que desde 1991 ha corrido paralela con la música. Sama tiene mucho en común, no sólo respecto a la amistad sino en cuanto a una visión conjunta de mucha compenetración espiritual. En el origen de este dueto siempre estuvo la música oriental y el concepto musical del sama (en el contexto del sufismo). La mística es hacer una música esencialmente devocional en un contexto de free jazz o de jazz contemporáneo, que abarca muchas cosas".
Música de oriente, free jazz, atmósferas africanas conviven en Sama, que en palabras de Fortson es un testimonio de siete años de trabajo. "Me gusta la mezcla de estilos, de que a pesar de que Marcos es boliviano y yo mexicano, el disco no suena latino, tiene mucho más elementos africanos, árabes y del jazz, que finalmente es universal. Más que calificar nuestra música de jazz u otro estilo, pienso que es música del espíritu, algo más profundo que un estilo. Si podemos tocar la fibra del escucha, la música está más allá de cualquier calificativo que le puedas poner. Alguien decía que la música es el reflejo del espíritu, y este disco es un ejemplo muy obvio. Si oyes a Flans, a Mercurio o esas basuras que nuestro país produce con mucho agrado, no creo que sientas mucha relación con Dios o con una energía espiritual. En continentes como Asia o África no puedes desvincular la música de la religión, mientras que en Occidente esta idea se ha desvirtuado".
Monk y Mingus
Entonces entró Thelonious Monk. En 1995, Marcos conoció al pianista Huitzilín Sánchez y juntos empezaron a explorar el universo musical de este creador iconoclasta. Bajo el influjo de su espíritu innovador, lo mismo han hurgado en los ritmos orientales que en el funk, el estilo stride, el free jazz, el ambient o las raíces africanas, sin perder de vista la sabiduría monkiana. El resultado de esta colaboración es Evidencias, en donde es notorio que luego de arduas sesiones de experimentar con las obras del homenajeado han dejado de tocar a Monk para ser tocados por Monk.
"Desde 1995 hemos tocado mucho a Monk —cuenta Marcos—. Dado que fue el cuarto disco grabado, entramos al estudio con mucha más experiencia y las piezas devinieron en una reflexión sobre la música de Monk. Las piezas que grabamos en el estudio ahora las tocamos diferente, es una música que está en evolución. Curiosamente Monk llegó a ese sonido y lo conservó por el resto de sus días; si escuchamos sus discos de principios de los cincuenta y los últimos, advertimos que esencialmente es lo mismo. En cambio nosotros tocamos estas piezas de modo que están cambiando constantemente".
Para Huitzilín experimentar con la música de Monk le permitió trabajar con diferentes tipos de sonido en una serie de piezas que sin perder su ancla en el blues, se mueven en otras direcciones. "La manera en que las trabajamos fue muy libre, lo que nos permitió estudiar a Monk de muy diversas maneras. Esto nos permitió experimentar desde muy diversos puntos de vista. La música que hacemos difiere de la música clásica porque no manejamos una sensación, un sentimiento o un estado de ánimo ya escrito, sino que a medida que nos acercamos a una pieza la vamos cambiando. Esto es resultado de hacer una improvisación más libre".
Y es la improvisación libre la que permea a lo largo de Dueto, grabación que captura la intensidad de un diálogo entre clarinete bajo y contrabajo al que se asoman algunos otros instrumentos. Es un homenaje a dos grandes iconoclastas del jazz: Charles Mingus y Eric Dolphy, que encuentran en Zapata y Miranda no sólo a dos fieles seguidores, sino a un par de músicos que buscan a partir de sus encuentros con los maestros. Esto lleva a Elena Vilchis a escribir en el cuadernillo: "Bendecidos por el ánimo de habitar los márgenes y tras abrevar la conjunción que se dio entre sus dioses particulares (...) Marcos-Zapata presentan una grabación donde esencialmente se albergan la esperanza y el odio, la animalidad y la racionalidad, el bien y el mal, los sueños y sus símbolos, la vida y la muerte, el error y la verdad".
Sobre esta grabación, Miranda afirma: "Hubiera sido más difícil descubrir la esencia de Dueto si no hubiera existido la mancuerna de Dolphy y Mingus. La combinación de contrabajo y clarinete bajo es algo increíble por la acústica de ambos instrumentos. Sumado a eso, para Fernando Zapata, Mingus es un modelo que tiene muy presente o un espíritu con el cual comparte. Lo mismo me sucede a mí con Eric Dolphy y el clarinete bajo, un instrumento poco común".
En Dueto sólo hay una pieza de Mingus, "What Love"; el resto son composiciones de Zapata y Miranda, y una de Huitzilín Sánchez, todas ellas iluminadas por la forma libertaria con la que los homenajeados se acercaban a la música. En el disco se pasea el espíritu desafiante de Mingus y la espiritualidad de Dolphy, pero sobre todo las construcciones que Zapata y Miranda han erigido para otear otros horizontes.
El ciclo de duetos no se ha cerrado para Marcos Miranda. Está por editarse el disco Tarikatao con el saxofonista Remi Álvarez, un desbordante encuentro de música improvisada sin estructuras prefabricadas. "Nuestros encuentros devinieron en una sesión de improvisaciones que tienen más que ver con el free jazz estadunidense que con el de Europa —dice Miranda—. Me refiero a la improvisación desde el punto de vista de la desnudez del corazón. La improvisación no llega hasta que realmente te desnudas y te dejas ver. Entonces llegas a un estado de mayor naturalidad, más propicio para la espontaneidad".
Marcos Miranda conoce el terreno que pisa y está dispuesto a no traicionar los principios que lo han llevado al jazz menos convencional. "Todas las músicas y todas las artes persiguen la realización del alma humana, la que se transforma en sonidos y en palabras, en colores y en formas. En este sentido, el jazz surgió como un anhelo de libertad, aunque no es la única música que habla de eso. Sin embargo, en el jazz este espíritu libertario se vuelve su esencia, lo que se advierte en mayor grado en la improvisación libre. Básicamente el reto es abrir la mente de la gente para que pueda escuchar otras cosas y no tener prejuicio o miedo de comprar un disco de música que no conoce. Por suerte creo que se está dando ese cambio".
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Aisha María
Xavier Quirarte, Pulse, 2000
África sigue siendo la madre, la savia, la sabia. Con la africana kalimba entre manos, Marcos Miranda explora sus raíces y accede a otras culturas en Aisha María (Opción Sónica/Jazzorca Records). Música reflexiva que se enriquece con las colaboraciones de Germán Bringas Silvie Henry, Santiago Fortson, José Navarro y Huitzilín Sánchez, no está en la vena de la world music de supermercado que tanto ha proliferado, sino en la senda de una búsqueda que habrá de alcanzar nuevas alturas.
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Adrian Bernal, Promo Jazz , año 3, Nº 3, México, agosto, 1999
ste es el primer disco de un proyecto formado de cuatro duetos, todos con la participación de Marcos Miranda y que va a publicar la compañía MEISA.
En este disco Marcos Miranda toca el sax soprano y tenor, los clarinetes contralto, hago y alto, este ultimo es poco usado pero es un instrumento, de gran expresión y sonoridad muy ad hoc para la atmósfera musical creada en esta producción. también toca el salterio, el gong y campanas. Santiago Fortson esta en batería, percusión y salterio y, como invitados están Amina Teslima en voz, Jorge González en timbales y Huitzilin Sánchez en teclados. Sama es la palabra compuesta de las letras iniciales de Marcos y Santiago. pero también significa en árabe oído o escuchar (dentro del sufismo es escuchar con el verdadero oído que es el corazón). Marcos dice: el disco es el resultado de 8 años de tocar con Santiago, esta música es de alabanza a la esencia de la cual todos venimos. Yo toco jazz siempre y cuando aceptemos que la palabra jazz te lleva a pensar en la libertad humana y espiritual.
Un dueto que experimenta sobre un jazz contemporáneo o free jazz en la línea de los maestros Albert Ayler, Don Cherry y Steve Lacy, con un predominio de la improvisación con influencias orientales con momentos de gran calma y otros de gran intensidad para oídos abiertos a nuevos caminos.
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Marcos Miranda/Santiago Fortson, Sama (MEISA, 1998)
Xavier Quirarte, Pulse, 1999
Curioso panorama el de las grabaciones de jazz en México. Cuando parece que nada sucede aparecen pruebas contundentes de que hay músicos interesados en hacer crecer el género. Es el caso del saxofonista Marcos Miranda, quien luego de que su interesante trayectoria en los terrenos de la experimentación se resistía a ser registrada en disco, grabó el año pasado Aisha María (Jazzorca Records/Opción Sónica), Umbral (Ediciones Pentagrama) y Sama (MEISA). Si Aisha María desentraña las sonoridades del instrumento africano kalimba, Umbral marca su encuentro con Oscar Ogando Jaimes y Douglas Tarnawiecki, para formar el grupo Itinerantes, con el que explora nuestras raíces musicales, espirituales e históricas. Sama, dueto con el baterista y percusionista Santiago Fortson es una obra que aboga más por la espiritualidad a través la música.
Sama, creado con la colaboración de Amina Teslima (voz), Jorge González (timbales) y Huitzilín Sánchez (teclados) como invitados, es terreno fértil para la improvisación ilimitada. Sin redes de seguridad, Marcos y Santiago se desafían mutuamente con el único afán de compartir el espacio. Sus espíritus afines remiten al legado de Albert Ayler, John Coltrane, Eric Dolphy, Elvin Jones y otros músicos cuya obra todavía estamos desentrañando. Sama es jazz, sí, pero también otras músicas que permean en una cultura que aspira a ser universal.
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Marcos Miranda a dueto
Sergio Monsalvo, Scat, año 1, nº 8 , abril de 2001
Sergio Monsalvo, Scat, año 1, nº 8 , abril de 2001
Marcos Miranda es de los músicos más inquietantes y experimentales de la escena jazzística mexicana. Recientemente sacó al mercado el disco Dueto. Eric Dolphy es uno de los grandes arquetipos que Miranda lleva en el alma. Dolphy era un intérprete ejemplar del clarinete bajo y Marcos ha invertido muchos años de su vida en estudiar su obra en este sentido, lo mismo ha sucedido con los conceptos de Charles Mingus. Así que el fundamento estético del álbum se dio por ahí. El bagaje musical de dichos pilares básicos le dio la idea de realizar su propia aportación en un supuesto dueto idílico entre Dolphy y Mingus. La particular interpretación de Miranda a un dueto semejante junto a un músico tan solvente como Fernando Zapata. El resultado es por demás sorprendente.
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Reconocimiento a Duetos y Evidencias
Aparecido en Hip Jazz Nº2, México, marzo 2001
Aparecido en Hip Jazz Nº2, México, marzo 2001
Cada una de las nueve piezas tocadas a dueto, agrega, "son un ejemplo pesado de originalidad improvisatoria". En cuanto a Evidencias, Rubolino afirma que el disco no es "la típica grabación de tributo". El estilo de Miranda, dice el crítico, con toques cortos e irregulares le otorgan una nueva dimensión a la música de Monk". Respecto al pianista, sostiene que "se escurre de las teclas agregando frescura al programa. Es un camaleón en transformación continua que usa todas sus formas de crear sonidos parar proporcionar un soporte original a partir del cual Miranda puede pintar su retrato abstracto de Monk".
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Ritmos de la ETERNIDAD
Cuadernos de Jazz Nº 63, Madrid, Marzo- abril 2001
Cuadernos de Jazz Nº 63, Madrid, Marzo- abril 2001
Ritmos de la Eterrnidad, es el nombre de uno de los últimos trabajos del escritor y crítico mexicano Xavier Quirarte. En él desarrolla, a través de una escritura fluida y creativa, 53 retratos que van desde Karl Berger hasta Phil Woods, pasando por Don Byron, Jimmy Cobb, Giorgio Gaslini, Jerry González, Ron Miles o Carlos Santana, entre otros... Publicado dentro de la colección Periodismo Cultural y editado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, es un libro de lectura recomendada que viene a enriquecer la escasa bibliografía musical editada en castellano.
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La Música MexicanaReport #3: Progressive Rock, Jazz and Folk
Steve Koenig, La Folia Volume 2 Number 5
The discs below are distributed through an amalgam of interlocking friends through Sr. Alex Ruíz and Julián Cruces de Gyves of MEISA, Música y Editora Integral, S.A. All can be purchased and the artists contacted via julianmex@netscape.net.
Sâma. (MEISA RRCJF001, 62:11.) Marcos Miranda on winds and percussion and Santiago Fortson on percussion. Both play psaltery on "Salmo," or psalm, the opening track, based on a Japanese pentatonic scale but sounding to me more klezmeric than Asian. Many of the other tracks have an Arabic origin. If you like Euro-chamber-jazz from hatHut or Between The Lines, this one is for you. An excellent jazz disc with an ECM-worldmusic tinge which strengthens rather than dilutes the music. Miranda and Fortson you listen closely, and the percussion takes your breath. A major winner.
Corcobado y Manta Ray. Diminuto Cielo. (Astro Discos A-009, 49:20.) Interesting rock sound. Jangly rhythms or dreamy slow tunes with theremin, scratching, and "here we come to the twenty-first century..." with lyrics about assassinations, gluey tears, life and death, love and hate. The singers' voices don't do it for me, but again, those instrumental textures, processing, and noises raise this above generic rock en español. They pronounce "s" as the Castillian "th."
Decibel. Fortuna Virilis. (Momia 09, 49:20.) Previous Decibel releases have been more in the prog-rock vein. Fortuna starts out as total free-improv. There's a wah-wah type sound that might be Walter Schmidt's or Alejandro Sánchez' loops, and Carlos Alvarado's bass clarinet playing is strong. Juan Carlos Ruíz of the excellent group Culto Sin Nombre guests on oboe. Sánchez' violin and other string playing is excellent, bringing an emotional element to a genre that often is cold and, pun intended, "dark." I've liked their earlier discs, also on Momia, and this is their best to date. Fans of Emanem free-improv discs are encouraged to try this one. If this were an American release, it would probably be on Cuneiform, if British, on ReR. Cuneiforms' Wayside distribution arm carries Decibel and some other Mexican jazz and prog-rock discs in the USA. vico@astroscu.unam.mx; www.cuneiformrecords.com.
Mexican Jumping Frijoles. Bazooka. (MJF/Rock'n'Roll Circus/Swenga RRCD50, 46:06.) An interesting humorous, bilingual, no-wave, punk, rap-influenced disc with a lot of electric guitar and quirky rhythms. The Breeders meet The Ruins perhaps? Some singalongs, anthems, lotsa BritPunk influence too.
Zappa/Hendrix/Worrell guitar too. These guys know their Funkadelic and Sublime. Somehow it all comes together. Titles include "Blunted Aztec" (pun obvious), "Cactus Erectus," "Big Time Double Bubble Trouble." As with so many American and British indie-punkpop discs, this is a joint effort of several labels. swenga@hotmail.com
Piel. (Serie Quetzalcoatl CD-06, 41:02.) Piel means skin. Pianist Raúl César Romero and percussionist Victor Baldovinos offer a duo set, unless you count the synth as a third voice. Some pieces recall Paul Bley's moody stuff, others such as "Valle en Eclipse" bring to mind Jarrett's more intense Impulse work. Distantly recorded. Incredibly erotic (not crude) picture label.
Via Lactea. 1977-1997. (Momia CD 08, 67:20.) Starting out with great slabs on noise, they add beats. The cover pic shows Via Lactea in performance at the Museo Universitario Del Chopo, a modern art venue close to "El Chopo," where the outdoor record vend and swap, populated by punk-dark-metal kids and other weirdos like me, meet every Saturday. Some tracks were recorded live at the Concurso These tracks cover all the genres from prog-rock, gothic, noise. Their noise stuff is great and varied, and if they'd drop the beats, I'd be enamored. Other is synth-grandiose. A mixed bag, natch, and recommended mostly to prog-rockers and perhaps to goths, whom the Mexicans call "darkies," not having US historical precedents to fear.
The High Fidelity Orchestra. (Smogless/Magog SR 2011, 39:43.) This is excellent; recorded in 1982 and 1984, but not at all dated. "Las Hormigas" (The Ants) rapidly scurries electric bass chords up and down. "Ocho Veces.." lifts the guitar chords directly from Pink Floyd's "Breathe." The nine cuts are all short. "Anacronia" mixes a "You Really Got Me" chord progression with a Doorsy organ, adding synth space effects that are a gas. There's no pretense or rambling and everything is played with panache. A simpler Zappa-esque band, with, thankfully, no lyrics and just-right time changes. Good clean fun.
Humus. 4th. (Smogless SR 2014, 43:52.) I have their three previous releases, and this bests them all. This has two tracks. "Fatscope: A solid state suite built around 24 themes" open with flute and a bouncing electric bass by Victor Basurto acting like a digj, and then it turns Thick As A Brick rhythmically, with Jorge Beltrán's guitar soaring like Randy California, and then guitar and time changes like Zappa. These guys know their roots.
Iconoclasta. La Rencarna de Maquiavelo. (Smogless JRCD010, 42:02.) Despite the Machiavelli tune, this one's a disappointment. Prog-rock 101 for beginners. Trumpet-like synth fanfares, generic drumming on machines. Paint-by-numbers prog-chord changes.
Iconoclasta. Suite Mexicana/ Soliloquio (Art Sublime ASCD1291-003, 51:07.) What a difference! Opening with a folk tune on acoustic guitar, a flute obbligato, but then come the synth-rock stuff. An advance from Maquiavelo, but still too flavorless. The notes tell about a mestizo influence as found in Ponce, Revueltas and Moncayo. Balderdash. Both tracks of the fifteen-minute "Suite Mexicana" start with one minute of ethnic sound, then jump to arena-rock. Deluxe heavy gatefold LP package with thick plastic insert to hold the CD. This is a 1991 reissue of original 7" EP and LP, with bilingual notes, insert and group history.
Le Nut Le. (Smogless SR 2017, 63:03.) Saxophonist Germán Bringas with vocalist and percussionist Sergio Bustamante have a semi-rock semi-prog disc of tunes with keyboards and strained vocals. Lots of interesting details which don't quite cohere.
Smoking The Century Away. (Smogless SR 2017, 38:50.) A single track, starting with jangling guitars and keyboards and fun choices of sounds, rhythm and textures. Jorge Beltrán and Victor Basurto have the rare ability to take this fusion of music and make it fun but not silly. Rich sound from the guitar and electric bass, no mud, all sparkling. No section overstays its welcome, and the contrasting sections are not haphazard jump-cuts. The space game synth effects are not corny. Excellent red-tinted graphics of turn of the century photos. Nineteenth century, that is. Good stuff.
Opcion Sonica is a great label covering many types of Mexican rock and experimental records. Like the American Cuneiform label, they also serve as a distributor for the imported weird-rock and experimental genres of music which are overlooked at Tower Records Zona Rosa. Opcion Sonica has a sister label, Lejos del Paraíso which covers folk and rock releases. Many are licensed to Rounder. Opcion has an American office and website, which is worth a gander. I'll report on more releases in the future. www.opcionsonica.com.mx
José Fors and Carlos Esege. Duda Mata: Versión Original. (Opcion Sonica OPICD 109, 42:30.) A 1999 remaster of a 1987 release. This one's on the simplistic side, but has a style and a sound. Deep male vocals, with lots of echo a la Jim Morrison, but these moaning, spaced voice drones and arabesques, with random flute and percussion accents, are quite riveting. It's all voice, percussion and DX-7. Ultimately, I quite like this. Some cuts are proggy, others a bizarre cross between carousel music and operetta, such as "Space Race," with its high soprano voice, although no women are listed on that track. Excellent packaging, with photos of stream tractors and stream engines in turn of the (1900) century photos, in the booklet, tray card, and picture label.
Jaramar. Entre la pena y el gozo. (Lejos del Paraíso CDGLP 047, 57:04.)
Excellent disc by an excellent folksinger, with Gaelic-sounding acoustic and keyboard background. Picture a hybrid of between EuroFolkers such as Maria Del Mar Bonet and Renaissance specialist Esther Lamandier. Indeed, here are Sephardic folksongs and one by the Renaissance Spanish composer Luys Milan.
Jorge Reyes. Nierika/Ek-Tunkul. (Exilio/Lejos del Paraíso CDEX 028, 45:58.) Ocarinas, flutes, percussion, chanting, conch shells, white noise, didgeridoo, synths, to recall pre-Hispanic times as authentic as Zeena is to her time. Gorgeous fantasy stuff. Two bonus tracks from Reyes' 1983 disc Ek-Tunkul. My favorite Reyes disc is El Costumbre, on (Australian) Extreme XCD 021 label, easiest to find in the US and UK through Cargo Records distributors.
Jorge Reyes and Suso Saíz. Crónica de Castas. (Lejos del Paraíso CDGLP 39:09.) An ethno-ambient outing from 1990, these musicians use guitars, flutes, ocarina, strings drums, sequencers, voice and "atmospheres and treatments" to evoke the different ethnic mixes after the arrival of the Europeans. Standout track is the fifteen-minute "Saltatrá Cuarterón," which using flutes and percussion grab you by the throat. Extra sound smears remind me of Jon Hassell's groundbreaking Vernal Equinox (Lovely Records). "No Te Entiende" uses clapping and rhythmic vocal grunts seconded by guitar to good effect, with tape of children playing as an underlay.
Finally, on the smaller but diverse Global Entertainment, which also has classical and traditional gems among budget reissues and compilations:
Antonio Zepeda. Brujos del Aguatierra. (Global Entertainment GECD-7853, 64:31.) If you've heard one Zepeda you've heard them all. Perhaps the best of the ethnic explorers in the ambient/new-age vein, Zepeda uses pre-Hispanic instruments to invent sonic pre-Columbian scenarios and environments. The other masters in this vein include Jorge Reyes and J.L. Fernández Ledesma. This disc is one of Zepeda's best and worst, depending on your taste, for though the music is exemplary, many have lyrics which spoil the mood for me.
Next issue, we'll sit in on recording sessions with groups more indebted to free-jazz or chamber music: Culto Sin Nombre and Banda Elástica. Also, hat have Chris Cutler, Fred Frith, Paul Panhuysen, Alvin Curran, Carl Stone and Peter Garland been up to in Mexico? Later this year: the producers behind the elegant slipcases and bilingual books of two independent labels breaking all the rules in classical and beyond: Quindecim and Urtext. Concerts at Palacio de Bellas Artes, including an amazing complete Beethoven violin sonatas by Osorio and Markson, who recorded then for ASV. The music of the people, on Pentagrama and Corazón. Mexican composers on Sony and BMG. Then banda, mariachi and tropical. We haven't even come to the field recordings yet, or the American (I mean U.S.A.; México is one of the three North American countries) labels doing yeoman service for Mexican music and composers: Dorian, Bridge, CRI, and Arhoolie. It's a big country, so stick around.
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Elena Vilchis, Solo Jazz & Blues, Núm. 22, México, enero 1998
E1 contrabajo de Fernando Zapata se fogueó en varios escenarios tanto nacionales como internacionales, en tanto que el clarinete de Marcos Miranda, en la busqueda infatigable de los sonidos de Eric Dolphy. Ahora, ambos consolidan su trabajo en una grabación, aún en master, que en este mismo año se podrá escuchar.
En entrevista para Sólo.Jazz & Blues, Fernando y Marcos hablan acerca de este álbum embrionario y de lo que para ellos significa dedicarse de tiempo completo al jazz.
¿Cómo surge esta grabación?
La idea original era hacer un producto musical para tocarlo en diferentes galerías, cafés o bares pequeños con la única finalidad de abrir un espacio para el free jazz. Lamentablemente sólo pudimos grabar las sesiones en el café Jazzorca, ya que en los otros sitios hubo muchas fallas técnicas, debiendo grabar otras piezas en el estudio.
¿Por qué recurrir al freejazz?
Primero porque queríamos manifestarnos como freejazzeros, pues son pocos los músicos que lo hacen en México, y luego por una necesidad acústica; el contrabajo siempre ha tenido un lugar muy clásico, muy encasillado, en tanto que el clarinete bajo es un instrumento que no puede usarse con muchas dotaciones porque acústicamente se lo comen y es muy dificil "microfortearlo" bien. Así, descubrimos que el clarinete bajo con el contrabajo eran una excelente mancuerna.
Entre los 13 temas grabados hay una pieza llamada "Casillas" ¿Pueden hablar de ella?
Decidimos grabar esta pieza porque tenernos la idea de que el artista tiene que ser trasmisor del momento que vive y creemos que el 6 de julio fue una fecha importantísima en todos los sentidos. Siempre he tenido la percepción de que vivimos en una especie de fascismo cultural y sonoro -dice Marcos Miranda- Todo lo que no suene como determinada línea de producción y participe de ciertos tipos de sonidos, armonías, etcétera, pues no tendrá espacio, no existe sencillamente.
¿Qué significa el freejazz para ti, Fernando?
La forma más libre de expresión. Rompe con lo establecido. Cuando decidimos formar el dúo teníamos como meta demostrar que se puede hacer buen jazz sin caer en la formación típica de piano, bajo, batería y saxofón.
¿Y para ti, Marcos?
El free jazz es una forma muy evolucionada de hacer música. Implica que el creador, ése que se sien con su instrumento , busque la armonía, la consonancia y la afinación total y real, que tiene más que ver con el corazón.
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Pacho, "Ruidos de al calle", Reforma, 4 de agosto de 2000
La vida le dio la razón: efectivamente Monk murió en 1982, como lo haremos todos nosotros. Y tal vez no fuera el propósito de Thelonious, pero su herencia perdura hasta hoy día, por ejemplo, cuando los críticos escrutan su laconismo, acaso intentando descifrar su leyenda. Mientras tanto, los músicos sobrevivientes, jóvenes o no, lo siguen recreando, redescubriendo y reinventando. La evidencia no lo es tanto: sin el glamour bohemio con que ahora se recuerda la época de esplendor del jazz norteamericano, el jazz en México es una música viva que carece de los reflectores y los espacios de difusión del que gozan otros géneros musicales locales. En otras palabras, quien toca jazz en México hoy día, lo hace inequívocamente por convicción, sin propósito alguno que no sea la música misma. Casi la introspección.
A pesar de las arduas condiciones para tocar jazz en México, Marcos Miranda es un músico prolífico que ha explorado con sus alientos la música árabe, africana, oriental, el funk, el free jazz, así como diversas tradicones mexicanas. Evidencias es ya su sexto disco independiente, desde luego, ¿qué gran disquera graba a un jazzista mexicano? Le anteceden "Sama" (1998), "Aisha María" (Jazzorca/Opción Sónica, 1998), "Umbral", con el grupo Itinerantes (Pentagrama, 1998) y "Dueto" (Jazzcat, 1999). Además, Marcos ha creado un proyecto llamado S.A. de C.V. (Sociedad Acústica de Capital Variable), un colectivo que agrupa a músicos, escritores, fotógrafos, artistas escénicos y pintores.
El diálogo que Marcos y Huitzilin establecen con Thelonious en el disco Evidencias, hace que Monk ya no sea Monk solamente, asunto que se aprecia hasta en los instrumentos con que lo recrean: metales, Kalimbas, Gongs, Guajes, Ney Flute, teclados eléctricos, Radio, y Handsaw, lo cual lleva su sonido hacia distintas latitudes, armonías y texturas, donde perdura el motivo central de la melodía, sin solemnidad (Bemsha Swing), a veces incluso con humor en el tempo y el timbre (Blue Monk).
Marcos evoca el origen de su pasión por Monk: "El primer disco que oí de Monk en los setenta fue Misterioso, pero tomó tiempo para que me encantara. A partir de 1992 tuve varios sueños que me decían que debía acercarme a Monk. Estuve entonces casi siete años tocando diario música de Monk, oyéndolo y experimentándolo".
"Lo que distingue a Monk es cierta impermeabilidad", continua Marcos. "Creó su esfera musical y no hizo concesiones. Creo sus monkismos. Mucha gente dice incluso que él creó el be bop. Los monkismos son, 1- la maestría del tiempo, con la cual creaba unos silencios en lugares donde no te lo esperas y que resultan muy difíciles de interiorizar. 2- Por otro lado la simpleza de las melodías, pero que conjugadas con ese juego rítmico, las hace muy escabrosas. 3- También están las armonías que él usaba, que en su tiempo eran una herejía, sobre todo la novena disminuida, que resultaba completamente disonante".
Marcos se apasiona con los hallazgos armónicos de Monk: "Hasta los años 40 la armonía en la música popular era muy establecida y delimitada, pero en esa década el be bop extiende las nociones del acorde, incluyendo la novena nota que antes no respondía al buen gusto. Monk agrega, además, muchas otras notas que sonaban disonantes. Actualmente ya hay mucha música que se hace así, pero no en los cuarenta. En este sentido, Monk vislumbró el siglo veintiuno".
La presentación del disco Evidencias será el 9 de agosto a las 18:00 horas, en la Casa Cultural de la Delegación de Tlalpán, ubicada en Camino a Santa Teresa sin número, esquina Zacatepetl, colonia Bosques de Tlalpan, atrás de Villa Olímpica.
La Sociedad Acústica de Capital Variable interpretará el material de Evidencias ese día, estará conformada ahora por Pedro Alpodaca en la batería, Miguel Cabuto contrabajo, Huitzilin Sánchez teclado y Marcos Miranda en los alientos, además de Xavier Quirarte leyendo textos y cantando. Estará también Rogelio Novara, que se ocupa de los samples, guitarra eléctrica y multimedia. José Luis Benlliure en la plástica. Se proyectarán fotografías inspiradas en los monkismos sonoros, que para Marcos se podrían definir en el campo visual como cosas absurdas pero simples, "absurdas en el sentido de su contexto". Acaso tan misteriosas aún, como evidentes.
Comentarios: pachojose@hotmail.com
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Aisha María, Marcos Miranda
Adrian Bernal, PromoJazz, enero 1999
Marcos Miranda de origen boliviano, llega a México en 1972. El gusto por la música siempre ha estado presente, de pequeño jugaba y tocaba diferentes cacharros, ya adolescente sus primeras influencias musicales fueron el funk (bump), el rock (Frank Zappa, Yes, Pink Floyd, Jethro Tull, Janis Joplin, etc.) después el jazz. con Dulke Ellington y el Modem Jazz Quartet, diez años de escuchar música lo volvieron un melómano, el dice esto fue mi verdadera escuela, escuchando desde A. Shónberg, 0. Messiaen, K. Stockhausen hasta A. Ayler, E. Dolphy, S. Lacy, J. Coltrane, C. Mingus, T. Monk, el Miles eléctrico y la música étnica principalmente oriental.
Empezó a los 23 años a tocar el sax soprano, tratando de imitar a los grandes saxofonistas del free jazz, esto lo llevo a estudiar en el taller de jazz: de la Escuela Superior de Música para acercarse a la música de¡ maestro Thelonious Monk, allí conoció a otros músicos de los cuales también aprendió, formando sus primeros ensambles musicales, principalmente dúos de sax y batería, esto hizo que desarrollara una forma personal de tocar, de tal manera que tuvo el honor de cerrar el XIII Y XIV Festival de Jazz de la E.S.M. con música de Don Cherry, otros lugares donde ha tocado es en el Café Jazzorca donde con su dueño el multinstrumentista Germán Bringas ha tocado y ha hecho diferentes producciones, como: Alas del amor, Sociedad Acústica de Capital Variable, Itinerantes y sus dos más recientes producciones en disco compacto Aisha María y Sama. Aisha Manía es el resultado de fa investigación musical de la kalimba (instrumento de origen africano) y en donde este es el instrumento protagonico, Marcos Miranda deja a un lado los alientos y toca exclusivamente la kalimba. La música del disco surgió primero como elemento terapéutico en la labor de parto; las composiciones surgieron a raíz del alumbramiento de su hija
.
Marcos dice al respecto, la Kalimba siempre ha estado presente en mi experiencia musical, además es un instrumento muy dúctil para acompañar, en cada pieza hay una afinación diferente en la kalimba, en 191 compacto me hice acompañar por gente que esta muy cercana 8 mí en lo personal, más que en lo musical, el disco se lo dedico a mi hija, que para mi es un manifiesto para la vida, Aisha María significa vida en Arabe.
En una faceta distinta Marcos Miranda, nos muestra un lado más amable de su música, en esta producción se hace acompañar por diferentes músicos: Silvie Henry y Claudia Montiel en voces, Santiago Fortson en percusiones y kalimba y coautor de algunas piezas, Rodrigo Castelán en contrabajos, Huitzilín Sánchez en composición, kalimba, percusión y palo de lluvia, Pepe Navarro en marimba y composición Germán Bringas coautor de varias piezas, trompeta, zampoña, piano, teclado, ocarinas y guajes. Todos ellos aportando diferentes sonoridades, en el que predomina un estado de animo de reflexión y relajación idóneos para la meditación.
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Sergio Monsalvo, Circulo Mixup, Nº 89, México, agosto 2000
Marcos Miranda es uno de los músicos más inquietantes y originales de la escena de¡ jazz en México. Con ocasión de la salida al mercado de su nuevo disco, Dueto, conversé con él acerca de esta obra.
Marcos, ¿cómo surgió el concepto para la realización de Dueto?
Uno de los grandes arquetipos que tengo metido en el alma es Eric Dolphy Yo soy un intérprete de¡ clarinete bajo, y si hoy alguien a quien haya oído tocar el instrumento de manero ejemplar es a él. He invertido muchos años de mi vida en estudiar su obro. Dicho estudio me hizo estar consciente de que al clarinete bajo no se le puede utilizar en cualquier formación, porque es un instrumento difícil, no sólo como maquinaria, sino también por su técnica y por su forma de afinación. Otro handicap que tiene es que es un instrumento de modera no muy brillante en su sonoridad. Los tonos armónicos de otros instrumentos se lo comen fácilmente. Me di cuenta de que lo combinación ideal sería con el contrabajo. De esto manera comencé a pensar en un proyecto con esa dotación. Mi idea original era grabar una serie de tocadas por varios cafés. Uno vez hecho eso, entrar o¡ estudio y con todo lo grabado ir armando un disco como una especie de rompecabezas. A pesar de los problemas, estoy satisfecho con el resultado.
¿Por qué escogiste a Fernando Zapata para el proyecto?
Cuando conocí a Fernando lo que me gustó de su interpretación fue que tenía el sonido más mingusiono en el con trobajo que yo había escuchado en México. Eso fue lo que determinó su participación en Dueto.
¿Cómo se dio la grabación del álbum?
Estó grabado en tres periodos. El primero fue en vivo en el Café Jazzorca; el segundo, en uno serie de cafés también de la ciudad de México donde surgieron tocados de manera inesperad ro oportuna, y finalmente lo terminamos un año después, adentro al estudio y grabar algunas cosas y efectuar lo mezclo.
¿Cuáles fueron las bases para llevar a cabo esta obra?
El fundamento estético se dio en dos sentidos. Uno fue mi relación musical con la figura de Eric Dolphy y con la de Charles Mingus. Ambos aportaron a mi bagaje los pilares básicos en los que me he sustentado (los otros son Steve Lucy y AlbertAyler). Nunca tocaron juntos, lamentablemente, pero me dieron la idea pura realizar mi propia interpretación de un dueto semejante. Dolphy trabajó en este sentido con Ron Carter, y de esa conjunción salió una pieza que me impuctó mucho: Whot Love?", la cual interpretamos en el disco. Al mismo tiempo, Dueto tiene un objetivo político. Ambos hitos de, mi historia musical estu ieron comprometidos con la problemática de su tiempo. Mingus incluso utilizó el texto improvisado para dorte realce a sus munifestaciones socioles. Yo decidí hacerlo también en temas como "Little Boy visita Hiroshimo`, por ejemplo, así como mi interpretación musical o situaciones como lo de Acteol, o la que le dedico una pieza homónimo. No conozco en el ómbito nacional obras pora clarinete bajo y contrabajo, así que lo nuestro es una aportoción en ese campo.
¿Quien es Marcos Miranda?
Nació el 9 agosto de 1966 en La Paz, Bolivia, pero llegó a México a la edad de cinco años y por lo tanto se considera mexicano. Es un multiinstrumentista que incluye en su haber los saxes soprano y tenor, clarinetes bajo y contraalto, la kalimba, salterio, gong y percusiones.
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"El Jazz mexicano a fines de siglo: morir de inanición
o pensar en la guerrilla cultural": Marcos Miranda
David Cortés, Pulse, México, Nº. 4, marzo 1997
o pensar en la guerrilla cultural": Marcos Miranda
David Cortés, Pulse, México, Nº. 4, marzo 1997
"Todo es trabajo. Debemos comenzar a pensar, en el buen sentido de la palabra, como una guerrilla cultural; a organizarnos en pequeños grupos y crecer, crecer"
Estamos a unos años del siglo XXI y en este país aún no hemos podido desarrollamos del todo o, por lo menos, conseguir un crecimiento armónico en el plano musical. El rock hecho en México vive uno de sus mejores momentos; hay apoyo e impulso a la música de concierto; pero no podemos afirmar lo mismo de un género cuya práctica es ya añeja: el jazz. ¿Qué sucede con éste? ¿quiénes y dónde lo ejercen? ¿ha progresado en los últimos veinticinco años? ¿tiene un sonido propio, identificable? ¿cuál es su estado de salud? Hay una lista de nombres imprescindibles, pioneros en el quehacer jazzístico nacional y todavía activos: el baterista Tino Contreras, el trompetista Chilo Morán o el bajista Víctor Ruiz Pasos. También hay exponentes de otra generación como Ana Ruiz, Sacbé, Cristóbal López o Héctor Infanzón, encargados de mantenerlo vivo en las dos últimas décadas; y una nueva camada, aún en ciernes, a la que le corresponde delinear el futuro. Pero también hay problemas, demasiados problemas. Ausencia de infraestructura, nulo interés de las compañías disqueras (y por ende una magra discografía), falta de espacios para su difusión, lucha -no siempre leal- por las fuentes de trabajo que redunda en: a) la inestabilidad de los grupos, b) la imposibilidad de generar composiciones y un sonido propios; y c) una contienda generacional.
Pugna generacional
A los ojos de quien esto escribe, hay en la música sincopada una pugna generacional cuyo conflicto aparente esel concepto de qué es y cómo debe tocarse el jazz; pero bajo el cual subyace la disputa por las fuentes de trabajo.
"No creo -dice el pianista Alberto Zuckermann- que la vieja guardia vea con simpatía a algunos músicos que los han superado y a su vez encuentro una total falta de respeto de algunos jóvenes para músicos que sí lo merecen; pero como no hay un registro discográfico no saben lo que significaron en un momento dado". Demos un paseo por una tienda de discos, cualquiera, a la búsqueda de jazz mexicano y encontraremos un vacío. Los acetatos del pasado, aquellos que deberían de servir de soporte, raíz e inspiración a los jazzistas actuales, fueron descatalogados hace mucho tiempo, algunas de las compañías ya desaparecieron y no hay interés o dinero para editarlos en disco compacto. Por si eso fuera poco, es escaso lo grabado en los últimos quince años y estas placas, en su mayoría, se han elaborado de manera independiente y con tirajes limitados (¿Mil discos para una megalópolis? ¿y el resto del país?) lo que conlleva problemas de distribución (mala) y difusión (nula). Visto así, no hay un repertorio de composiciones originales que se haya incrementado con el tiempo, aunque hay indicios de cambio. "Las nuevas generaciones -cuenta Francisco Téllez, pianista y fundador del Cuarteto Mexicano de Jazz- están aportando un aspecto muy importante: el material propio. Hubo un periodo en el que los músicos únicamente tocaban música norteamericana y pocas veces había la oportunidad de interpretar composiciones de uno. Incluso parecía mal visto". Para Germán Bringas, saxofonista y creador del sello independiente Jazzorca Records el jazz hecho en México "se ha buscado por anos y sigue buscándose. Veo a músicos como Agustín Bemal y lo siento honesto; otros se preparan para tener chamba en hoteles. Es un terreno difícil de objetivar porque es como un fantasma con pocos -puntos concretos"
La falta de foros, signo de indigencia
Una condición esencial para el desarrollo del jazz es su exposición ante el público. Sin embargo, al carecer de suficientes fuentes de trabajo los músicos son volátiles (el número de instrumentistas que ha desfilado por el Cuarteto Mexicano de Jazz se acerca a los cien), emigran al hueso (acompañar a un cantante de moda) y rara vez logran permanecer en una agrupación de tiempo completo con lo cual podrían generar un mayor entendimiento y por ende un sonido propio. La creación -invariable y justificadamente- se supedita a la satisfacción de las necesidades vitales. Evodio Escalante escribió en 1982 un ensayo (reeditado en 1990 por la Universidad Pedagógica Nacional en una plaquette titulada Figuras del Jazz Contemporáneo (1) México en el jazz) de una vigencia contundente: "Véase el signo de nuestra indigencia musical. En una ciudad maerocefálica y congestionada como la ciudad de México, con ocho millones de habitantes, sólo existen dos o tres lugares fijos para ir a escuchar el jazz". Aunque la población se ha triplicado, el número de lugares se ha reducido. En la metrópoli tenemos el Jazzorca (ver Pulse! México Núm. l), el Nueva Orleans y el lobby de uno que otro hotel de cinco estrellas. El Arcano, sitio en donde mostrar el trabajo propio, impulsar la improvisación y posibilitar la interacción entre los músicos sin importar edad ni tendencia era el leitmotiv, enfrentó desde su nacimiento innumerables dificultades con los vecinos, disputas que provocaron su cierre en distintas ocasiones. Al momento de escribir esto las puertas del lugar ubicado en División del Norte aún permanecían cerradas y no había indicios claros de que la situación fuera a solucionarse. Marcos Miranda, saxofonista de la Sociedad Acústica de Capital Variable (cuarteto -que-antes--de--disolve-rse-eni ara-un caset), ante la au~encia de foros opina: "Quisiéramos más lugares y poder vivir del jazz: hay que crear canales de distribución, abrirse y todo eso es trabajo. Debemos comenzar a pensar, en el buen sentido de la palabra, como una guerrilla cultural, a organizamos en pequeños grupos y crecer, crecer". Otro problema grave es la ausencia de escuelas con métodos pedagógicos adecuados en las cuales se imparta el jazz. Durante quince años, Francisco Téllez ha coordinado los talleres de jazz de la Escuela Superior de Música, pero sus esfuerzos por hacer de éstos una licenciatura se han topado con la burocracia: "Ha sido muy laborioso hacerles ver a las autoridades la valía del jazz. Creo que tienen miedo de reconocer el plan de estudios no obstante que éste se encuentra completamente terminado porque siguen pensado en el jazz como música de segunda categoría".Hacer, hablar de y difundir el jazz es laborioso porque la palabra inspira rechazo, se piensa en éste como una música complicada, inaccesible. Es una etiqueta circundada por estereotipos -la mayoría erróneosdifíciles de cambiar. Tal vez una salida sea la de venderlo de otra manera, quitarle esa aura de supuesta solemnidad. Para Gabriel González, bajista del grupo La Casa de Agua, "hay que vender el jazz de otra manera porque desgraciadamente es algo relacionado íntimamente con la cultura musical del público y éste no tiene idea de lo que es el Jazz Y Ana Ruiz, pianista que en los setenta formara parte de Atrás del Cosmos y luego del trío West, Ruiz y Mann, agrupaciones denostadas, rechazadas e incomprendidas por practicar freejazz, piensa que "en este momento tal vez hay que ponerle otro nombre a lo que hacemos porque los jazzistas se cerraron y el músico tiene que estar abierto".
Hay talento, pero...
Público existe, pero éste siempre recibe lo mismo. Ya se mencionó que la escasez de lugares ha impedido un crecimiento y coartado la libertad para explorar otros estilos diferentes al jazz tradicional y edulcorado que, en muy raras ocasiones, se llega a difundir por radio o televisión. Aunque el panorama no se antoja alentador, el aferre persiste. Para Alain Derbez, autor de Datos para una historia aún no escrita. Una aproximación aljazz en México (edit. Ponciano Arriaga), el texto más conflable y documentado del devenir Jazzístico nacional de sus orígenes a la actualidad, la existencia de una nueva camada de jazzistas impone un parteaguas, con perspectivas muy amplias y propuestas individuales frescas. Pero eso no basta pues "como toda nueva generación se tiene que enfrentar con las anteriores y con los vicios creados por éstas, uno de ellos es la relación con las fuentes de empleo porque los empleadores, que son pocos (cada vez menos), siguen trabajando con métodos tradicionales". Hay talento, pero no dónde desarrollarlo ni dejarlo registrado. Es el caso de la desaparecida Coyoacán Records o el de Producciones Fonográficas, sello que ha dado muestras de desconocimiento a la hora de manejar, difundir y vender a los jazzistas (pocos) de su catálogo. El Jazz mexicano está sumido en un hoyo negro y aseverarlo no es un gran descubrimiento. Ha sido el tenor, la constante del género en nuestro país. Probablemente haga falta encauzar proyectos a largo plazo en vez de contentarse con pequeños y aislados logros. Hace falta unión entre los músicos, lugares en donde no imperen las restricciones para manifestarse creativamente y así generar un sonido propio, compañías grabadoras menos impositivas, el surgimiento de más sellos independientes e imaginación para la distribución y difusión de los productos. Sólo hay que encontrar una mejor manera de alimentar continuamente al público. Porque sin continuidad, la historia se interrumpe y siempre es necesario comenzar de cero.
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Hecho en México
Xavier Quirarte en Pulse, junio 2000
En un país en e[ que tradicionalmente la música experimental es desdeñada, la aparición de[ Café Jazzorca en México hacia igg6 significó la oportunidad para que diversos creadores dieran a conocer sus obras. El impulsor de este proyecto es el multinstrumentista Germán Bringas, quien a pesar de no contar con otro apoyo que su irrefrenable entusiasmo, ha mantenido Jazzorca como un foro abierto a los espíritus aventureros. Pero su trabajo no se ha limitado a la presentación de conciertos, sino también al registro de lo que sucede actualmente en el panorama de la música improvisada a través de[ sello Jazzorca Records.
El año pasado, Brignas concibió el grupo El Engrane Amarillo, integrado por su hermano Francisco en tabla y percusiones, Arturo Romo en trombatrón (instrumento inventado por él), Víctor Méndez en la guitarra y Bringas en piano, saxofones, trompeta y saxpeta. Su primer disco Germán Bringas y el Engrane Amarillo (Jazzorca Records/Smogless RecordS, 2000), fue realizado durante la primera visita del guitarrista Fred Frith y el baterista Chris Cutler a México. Previo al concierto, fueron invitados para sostener una larga sesión improvisada, en la que también participaron Luis Flores en el violín y Salvador Cruz tocando las cuerdas del piano. El resultado es una serie de encuentros en los que no hay lugar para las concesiones.
Otro caso inusitado en la música improvisada de México es el de Marcos Miranda, quien en los últimos tres años ha editado cinco discos (uno de ellos con el grupo ltinerantes). Sama, grabado a dueto con el percusionista Santiago Fortson, y del que ya nos hemos ocupado en estas páginas, fue reseñado por David Lewis en la revista Cadence en los siguientes términos: 'Turante Teregrinación ancestral' el soprano serpenteante de Miranda podría ser fácilmente confundido con el maestro Steve Lacy. Igualmente impresionante es la combinación de Miranda en el clarinete bajo y la flauta ney en [a brillante interpretación a dueto de 'Ilahi', mientras que (a funky 'Abakwa' muestra el rango de entusiasmo de esta banda mexicana. Este proyecto es la primera música improvisada que he escuchado de México y, sí, estoy impresionado". Bajo el influjo de diversas músicas africanas y orientales, Miranda grabó Aísha María (Opción Sónica-jazzorca Records, 1998). Con el instrumento africano kalimba entre manos, Miranda explora sus raíces y accede a otras culturas. Música reflexiva que se enriquece con las colaboraciones de Germán Bringas, Silvie Henry, Santiago Fortson, ]osé avarro y Huitzilín Sánchez, no está en la vena de la worid music de supermercado que tanto ha proliferado, sino en la senda de una búsqueda que habrá de alcanzar nuevas alturas (de hecho ya está preparando una nueva grabación con el instrumento).
En una entrevista reciente, Chick Corea recordaba su breve asociación con el saxofonista Eric Dolphy, lamentándose de que no hubiera sido más larga, ya que además de un músico excepcional, fue para él una fuente de inspiración como ser humano generoso. Lamentablemente Dolphy murió demasiado pronto y gran parte de la atención se centró sobre la figura de John Coltrane, lo que alejó al gran público de uno de los grandes innovadores de los sesenta. No obstante, su legado sigue siendo fuente de inspiración, como lo demuestra Marcos Miranda en Dueto Oazzcat RecordS, 2000), trabajo en el que comparte con el contrabajista Fernando Zapata la músic: creada a la memoria de Dolphy y de su gran amigo e impulsor Charles Mingus. Disco emotivo en el que el clarinete bajo (instrumento reinventado por Dolphy) entabla un diálogo con el contrabajo en una serie de composiciones sin el excesivo pulimiento que acaba por matar el arte. Sin dura, los homenajeados hubieran disfrutado la trepidante versión de "What Love?", compuesta por Mingus.
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El Camino Del Dueto
Sergio Monsalvo, Circulo Mixup, N‚ 89, Môxico, agosto 2000
Sergio Monsalvo, Circulo Mixup, N‚ 89, Môxico, agosto 2000
Marcos Miranda es uno de los músicos más inquietantes y originales de la escena de¡ jazz en México. Con ocasión de la salida al mercado de su nuevo disco, Dueto, conversé con él acerca de esta obra.
Marcos, ¿cómo surgió el concepto para la realización de Dueto?
Uno de los grandes arquetipos que tengo metido en el alma es Eric Dolphy Yo soy un intérprete de¡ clarinete bajo, y si hoy alguien a quien haya oído tocar el instrumento de manero ejemplar es a él. He invertido muchos años de mi vida en estudiar su obro. Dicho estudio me hizo estar consciente de que al clarinete bajo no se le puede utilizar en cualquier formación, porque es un instrumento difícil, no sólo como maquinaria, sino también por su técnica y por su forma de afinación. Otro handicap que tiene es que es un instrumento de modera no muy brillante en su sonoridad. Los tonos armónicos de otros instrumentos se lo comen fácilmente. Me di cuenta de que lo combinación ideal sería con el contrabajo. De esto manera comencé a pensar en un proyecto con esa dotación. Mi idea original era grabar una serie de tocadas por varios cafés. Uno vez hecho eso, entrar o¡ estudio y con todo lo grabado ir armando un disco como una especie de rompecabezas. A pesar de los problemas, estoy satisfecho con el resultado.
"No conozco en el ámbito nacional obras para clarinete bajo y contrabajo, asíque la nuestra es queuna aportácion en ese campo"
¿Por qué escogiste a Fernando Zapata para el proyecto?
Cuando conocí a Fernando lo que me gustó de su interpretación fue que tenía el sonido más mingusiono en el con trobajo que yo había escuchado en México. Eso fue lo que determinó su participación en Dueto.
¿Cómo se dio la grabación del álbum?
Estó grabado en tres periodos. El primero fue en vivo en el Café Jazzorca; el segundo, en uno serie de cafés también de la ciudad de México donde surgieron tocados de manera inesperad ro oportuna, y finalmente lo terminamos un año después, adentro al estudio y grabar algunas cosas y efectuar lo mezclo.
¿Cuáles fueron las bases para llevar a cabo esta obra?
El fundamento estético se dio en dos sentidos. Uno fue mi relación musical con la figura de Eric Dolphy y con la de Charles Mingus. Ambos aportaron a mi bagaje los pilares básicos en los que me he sustentado (los otros son Steve Lucy y AlbertAyler). Nunca tocaron juntos, lamentablemente, pero me dieron la idea pura realizar mi propia interpretación de un Dueto semejante. Dolphy trabajó en este sentido con Ron Carter, y de esa conjunción salió una pieza que me impuctó mucho: Whot Love?", la cual interpretamos en el disco. Al mismo tiempo, Dueto tiene un objetivo político. Ambos hitos de, mi historia musical estu ieron comprometidos con la problemática de su tiempo. Mingus incluso utilizó el texto improvisado para dorte realce a sus munifestaciones socioles. Yo decidí hacerlo también en temas como "Little Boy visita Hiroshimo`, por ejemplo, así como mi interpretación musical o situaciones como lo de Acteol, o la que le dedico una pieza homónimo. No conozco en el ómbito nacional obras pora clarinete bajo y contrabajo, así que lo nuestro es una aportoción en ese campo.
¿Quien es Marcos Miranda?Nació el 9 agosto de 1966 en La Paz, Bolivia, pero llegó a México a la edad de cinco años y por lo tanto se considera mexicano. Es un multiinstrumentista que incluye en su haber los saxes soprano y tenor, clarinetes bajo y contraalto, la kalimba, salterio, gong y percusiones.
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Evidencias
Pacho, "Ruidos de al calle", Reforma, 4 de agosto de 2000
Pacho, "Ruidos de al calle", Reforma, 4 de agosto de 2000
"¿Cuál crees que es el propósito de la vida?" le preguntaron a Thelonious. Él respondió consiso: "Morir". El anécdota es consignado por Xavier Quirarte en las notas que acompañan al CD Evidencias. La multidimensionalidad de Thelonious Monk, del saxofonista Marcos Miranda y el tecladista Huitzilin Sánchez, editado por el sello independiente Jazzcat (2000).
La vida le dio la razón: efectivamente Monk murió en 1982, como lo haremos todos nosotros. Y tal vez no fuera el propósito de Thelonious, pero su herencia perdura hasta hoy día, por ejemplo, cuando los críticos escrutan su laconismo, acaso intentando descifrar su leyenda. Mientras tanto, los músicos sobrevivientes, jóvenes o no, lo siguen recreando, redescubriendo y reinventando. La evidencia no lo es tanto: sin el glamour bohemio con que ahora se recuerda la época de esplendor del jazz norteamericano, el jazz en México es una música viva que carece de los reflectores y los espacios de difusión del que gozan otros géneros musicales locales. En otras palabras, quien toca jazz en México hoy día, lo hace inequívocamente por convicción, sin propósito alguno que no sea la música misma. Casi la introspección.
A pesar de las arduas condiciones para tocar jazz en México, Marcos Miranda es un músico prolífico que ha explorado con sus alientos la música árabe, africana, oriental, el funk, el free jazz, así como diversas tradicones mexicanas. Evidencias es ya su sexto disco independiente, desde luego, ¿qué gran disquera graba a un jazzista mexicano? Le anteceden "Sama" (1998), "Aisha María" (Jazzorca/Opción Sónica, 1998), "Umbral", con el grupo Itinerantes (Pentagrama, 1998) y "Dueto" (Jazzcat, 1999). Además, Marcos ha creado un proyecto llamado S.A. de C.V. (Sociedad Acústica de Capital Variable), un colectivo que agrupa a músicos, escritores, fotógrafos, artistas escénicos y pintores.
El diálogo que Marcos y Huitzilin establecen con Thelonious en el disco Evidencias, hace que Monk ya no sea Monk solamente, asunto que se aprecia hasta en los instrumentos con que lo recrean: metales, Kalimbas, Gongs, Guajes, Ney Flute, teclados eléctricos, Radio, y Handsaw, lo cual lleva su sonido hacia distintas latitudes, armonías y texturas, donde perdura el motivo central de la melodía, sin solemnidad (Bemsha Swing), a veces incluso con humor en el tempo y el timbre (Blue Monk).
Marcos evoca el origen de su pasión por Monk: "El primer disco que oí de Monk en los setenta fue Misterioso, pero tomó tiempo para que me encantara. A partir de 1992 tuve varios sueños que me decían que debía acercarme a Monk. Estuve entonces casi siete años tocando diario música de Monk, oyéndolo y experimentándolo".
"Lo que distingue a Monk es cierta impermeabilidad", continua Marcos. "Creó su esfera musical y no hizo concesiones. Creo sus monkismos. Mucha gente dice incluso que él creó el be bop. Los monkismos son, 1- la maestría del tiempo, con la cual creaba unos silencios en lugares donde no te lo esperas y que resultan muy difíciles de interiorizar. 2- Por otro lado la simpleza de las melodías, pero que conjugadas con ese juego rítmico, las hace muy escabrosas. 3- También están las armonías que él usaba, que en su tiempo eran una herejía, sobre todo la novena disminuida, que resultaba completamente disonante".
Marcos se apasiona con los hallazgos armónicos de Monk: "Hasta los años 40 la armonía en la música popular era muy establecida y delimitada, pero en esa década el be bop extiende las nociones del acorde, incluyendo la novena nota que antes no respondía al buen gusto. Monk agrega, además, muchas otras notas que sonaban disonantes. Actualmente ya hay mucha música que se hace así, pero no en los cuarenta. En este sentido, Monk vislumbró el siglo veintiuno".
La presentación del disco Evidencias será el 9 de agosto a las 18:00 horas, en la Casa Cultural de la Delegación de Tlalpán, ubicada en Camino a Santa Teresa sin número, esquina Zacatepetl, colonia Bosques de Tlalpan, atrás de Villa Olímpica.
La Sociedad Acústica de Capital Variable interpretará el material de Evidencias ese día, estará conformada ahora por Pedro Alpodaca en la batería, Miguel Cabuto contrabajo, Huitzilin Sánchez teclado y Marcos Miranda en los alientos, además de Xavier Quirarte leyendo textos y cantando. Estará también Rogelio Novara, que se ocupa de los samples, guitarra eléctrica y multimedia. José Luis Benlliure en la plástica. Se proyectarán fotografías inspiradas en los monkismos sonoros, que para Marcos se podrían definir en el campo visual como cosas absurdas pero simples, "absurdas en el sentido de su contexto". Acaso tan misteriosas aún, como evidentes.
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Aisha María
Xavier Quirarte, Pulse, 2000
Xavier Quirarte, Pulse, 2000
África sigue siendo la madre, la savia, la sabia. Con la africana kalimba entre manos, Marcos Miranda explora sus raíces y accede a otras culturas en Aisha María (Opción Sónica/Jazzorca Records). Música reflexiva que se enriquece con las colaboraciones de Germán Bringas Silvie Henry, Santiago Fortson, José Navarro y Huitzilín Sánchez, no está en la vena de la world music de supermercado que tanto ha proliferado, sino en la senda de una búsqueda que habrá de alcanzar nuevas alturas.
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SAMA / MARCOS MIRANDA - SANTIAGO FORTSON
Adrian Bernal, Promo Jazz , año 3, Nº 3, México, agosto, 1999
Adrian Bernal, Promo Jazz , año 3, Nº 3, México, agosto, 1999
Este es el primer disco de un proyecto formado de cuatro duetos, todos con la participación de Marcos Miranda y que va a publicar la compañía MEISA.
En este disco Marcos Miranda toca el sax soprano y tenor, los clarinetes contralto, hago y alto, este ultimo es poco usado pero es un instrumento, de gran expresión y sonoridad muy ad hoc para la atmósfera musical creada en esta producción. también toca el salterio, el gong y campanas. Santiago Fortson esta en batería, percusión y salterio y, como invitados están Amina Teslima en voz, Jorge González en timbales y Huitzilin Sánchez en teclados. Sama es la palabra compuesta de las letras iniciales de Marcos y Santiago. pero también significa en árabe oído o escuchar (dentro del sufismo es escuchar con el verdadero oído que es el corazón). Marcos dice: el disco es el resultado de 8 años de tocar con Santiago, esta música es de alabanza a la esencia de la cual todos venimos. Yo toco jazz siempre y cuando aceptemos que la palabra jazz te lleva a pensar en la libertad humana y espiritual.
Un dueto que experimenta sobre un jazz contemporáneo o free jazz en la línea de los maestros Albert Ayler, Don Cherry y Steve Lacy, con un predominio de la improvisación con influencias orientales con momentos de gran calma y otros de gran intensidad para oídos abiertos a nuevos caminos.
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Curioso panorama el de las grabaciones de jazz en México. Cuando parece que nada sucede aparecen pruebas contundentes de que hay músicos interesados en hacer crecer el género. Es el caso del saxofonista Marcos Miranda, quien luego de que su interesante trayectoria en los terrenos de la experimentación se resistía a ser registrada en disco, grabó el año pasado Aisha María (Jazzorca Records/Opción Sónica), Umbral (Ediciones Pentagrama) y Sama (MEISA). Si Aisha María desentraña las sonoridades del instrumento africano kalimba, Umbral marca su encuentro con Oscar Ogando Jaimes y Douglas Tarnawiecki, para formar el grupo Itinerantes, con el que explora nuestras raíces musicales, espirituales e históricas. Sama, dueto con el baterista y percusionista Santiago Fortson es una obra que aboga más por la espiritualidad a través la música.
Sama, creado con la colaboración de Amina Teslima (voz), Jorge González (timbales) y Huitzilín Sánchez (teclados) como invitados, es terreno fértil para la improvisación ilimitada. Sin redes de seguridad, Marcos y Santiago se desafían mutuamente con el único afán de compartir el espacio. Sus espíritus afines remiten al legado de Albert Ayler, John Coltrane, Eric Dolphy, Elvin Jones y otros músicos cuya obra todavía estamos desentrañando. Sama es jazz, sí, pero también otras músicas que permean en una cultura que aspira a ser universal.
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Marcos Miranda es de los mÀsicos m¦s inquietantes y experimentales de la escena jazzÿstica mexicana. Recientemente sac� al mercado el disco Dueto. Eric Dolphy es uno de los grandes arquetipos que Miranda lleva en el alma. Dolphy era un intôrprete ejemplar del clarinete bajo y Marcos ha invertido muchos aœos de su vida en estudiar su obra en este sentido, lo mismo ha sucedido con los conceptos de Charles Mingus. Asÿ que el fundamento estôtico del ¦lbum se dio por ahÿ. El bagaje musical de dichos pilares b¦sicos le dio la idea de realizar su propia aportacion en un supuesto dueto idÿlico entre Dolphy y Mingus. La particular interpretacion de Miranda a un dueto semejante junto a un mÀsico tan solvente como Fernando Zapata. El resultado es por dem¦s sorprendente.
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Si una revista goza de credibilidad es Cadence, que en su número de noviembre de 2000, se ocupa del trabajo de Marcos Miranda a través de los discos Dueto (con el contrabajista Fernando Zapata) y Evidencias (con el pianista Huitzilín Sánchez), ambos editados por Jazzcat. En su reseña, Frank Rubolino destaca la empatía de Miranda y el contrabajista Zapata, como "un excelente ejemplo de cuan hondo han penetrado los conceptos de música improvisada en las culturas del mundo".
Cada una de las nueve piezas tocadas a dueto, agrega, "son un ejemplo pesado de originalidad improvisatoria". En cuanto a Evidencias, Rubolino afirma que el disco no es "la típica grabación de tributo". El estilo de Miranda, dice el crítico, con toques cortos e irregulares le otorgan una nueva dimensión a la música de Monk". Respecto al pianista, sostiene que "se escurre de las teclas agregando frescura al programa. Es un camaleón en transformación continua que usa todas sus formas de crear sonidos parar proporcionar un soporte original a partir del cual Miranda puede pintar su retrato abstracto de Monk".
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Ritmos de la Eternidad, es el nombre de uno de los últimos trabajos del escritor y crítico mexicano Xavier Quirarte. En él desarrolla, a través de una escritura fluida y creativa, 53 retratos que van desde Karl Berger hasta Phil Woods, pasando por Don Byron, Jimmy Cobb, Giorgio Gaslini, Jerry González, Ron Miles o Carlos Santana, entre otros... Publicado dentro de la colección Periodismo Cultural y editado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, es un libro de lectura recomendada que viene a enriquecer la escasa bibliografía musical editada en castellano.
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Sobre los discos Evidencias y Dueto
J. L. Salinas, Cuadernos de Jazz Núm. 63, Madrid, marzo-abril del 2001
J. L. Salinas, Cuadernos de Jazz Núm. 63, Madrid, marzo-abril del 2001
Miranda/Zapata: Dueto
Marcos Miranda (c1), Fernando Zapata (b, tp), Roque Guzmán (sb), Huitzilín Sánchez (tecl, perc), Rodrigo Vera (voc), Roxana Betancourt (didjeridoo).
México, abril y mayo de 1997 y mayo de 1998. Jazzcat 009
Marcos Miranda/Huitzilín Sánchez: Evidencias
Marcos Miranda (cl, ss, st, fl, kalimba, gonqs), Huitzilín Sánchez (tecl, kalimba, toys)
México, diciembre de 1998. Jazzcat 014.
Desde México nos llegan dos discos de contenido iconoclasta, alejado de cualquier pretensión de continuismo. El primer trabajo prolonga la amistad entre Charlie Mingus y Eric Dolphy, reconvertidos aquí en el tándem Miranda/Zapata, El abrazo sin compromisos entre los protagonistas les permite avanzar un paso más en el camino del free jazz. Aquí lo que cuenta es expandir la frontera interior; un lugar cambiante que puede manifestarse de forma sosegada (La Trasmutación) o tumultuosa (Jinns), onomatopéyica (La postración del elefante) o claramente narrativa (Litile Boy).
El segundo álbum, que comparte con el anterior protagonista principal, se inscribe en otro contexto, Propone revisar, desde nuevas perspectivas, el legado autoral de Thelonious Monk. Los resultados son sin duda satisfactorios. Miranda y Sánchez demuestran haber asimilado la esencia de la obra monkiana, lo que les permite trasladarla con imaginación y credibilidad a contextos muy diferentes de los originales.
Para ello recurren, como un argumento más, a una instrumentación cambiante, que además utilizan acertadamente. Así, piezas como Bemsha Swing o Introspection están teñidas de un misticismo que es reforzado por una flauta oriental o el uso de campanas. Desde la corta versión de Epistrophy que inicia el disco (y que suena a banderín de enganche) hasta los matices experimentales de Hackensack, que lo concluye, predominan las lecturas envolventes, conduzcan a la telajación (como en el primer tramo de Littie Tootie Rootie) o al desasosiego (Reflections). En síntesis, un trabajo arriesgado, con momentos de serena belleza junto a otros de inquietud perturbadora, que ha sabido captar el espíritu de Monk.
J. L. Salinas
